Gran espíritu en el Festival de Jazz del Mar Rojo 2022

Tres días repletos, con entradas agotadas y animados de buena música marcaron el 36º Festival de Jazz del Mar Rojo, que regresó a su hogar en la ciudad portuaria israelí de Eilat del 10 al 12 de noviembre después de dos años de COVID-19. ausencia relacionada. Curado por expertos, el programa fue ecléctico, con 18 artistas provenientes de Israel, Colombia, Etiopía, Ucrania, el Reino Unido y las Bahamas que exploraron una amplia gama de géneros y ofrecieron clases magistrales y sesiones improvisadas nocturnas.

La estrecha entrada de agua de mar que es el Mar Rojo, que se extiende hacia el sur desde el Canal de Suez y se conecta con el Mar Arábigo, es compartida por varios países, incluidos Egipto, Israel y Jordania. Si viene de América del Norte o Europa, donde el otoño está dando paso al invierno, puede que le lleve un momento acostumbrarse a las condiciones relativas de verano permanente de la región, con temperaturas diurnas en noviembre de alrededor de 86 °F y el Sinaí los vientos del desierto refrescan las cosas por la noche (según los lugareños, solo hace “mucho frío” en enero y febrero, bajando a 70°).

La logística requerida para hacer posible el Festival de Jazz del Mar Rojo fue significativa. Una sección del puerto se transformó en el recinto del festival, y se organizaron enormes contenedores de envío para crear tres lugares, rodeando una gran área abierta donde la gente podía disfrutar del vino, la cerveza y la comida callejera y copiar algunos vinilos entre espectáculos, y los jóvenes artistas tenían una oportunidad para actuar.

El concierto de apertura, uno de los aspectos más destacados del festival, estuvo a cargo de Third World Love, un verdadero supergrupo israelí con el pianista Yonatan Avishai, el trompetista Avishai Cohen, el bajista Omer Avital (tanto en acústica como en electricidad) y el baterista Daniel Freedman. “¡Qué bueno es estar de vuelta en el puerto!” exclamó Cohen, señalando el regreso de la banda a los escenarios después de una ausencia de 10 años. Abrió “La Suite Africaine”, una pieza emblemática que subraya las influencias del norte de África que impregnan el sonido único de blues, funky y swing de la banda, que también integra especias yemeníes, de Medio Oriente y latinoamericanas. Siguió la balada memorable «Historia de amor del tercer mundo», luego «Sketch of Tel Aviv», con una sinergia palpable desarrollada durante décadas. La letra de “Avanim” de Avishai, cantada por el pianista, resonó en todo el repleto lugar al aire libre. El público aplaudió y bailó, todavía tarareando al salir.

La noche de apertura también contó con la galardonada clarinetista/saxofonista/flautista Anat Cohen y Jacob Collier, de 28 años, que dobla el género; el último artista corrió frenéticamente por el escenario con calcetines que no hacían juego, tocó todos los instrumentos a la vista y dirigió a la audiencia ultra musical en el momento más conmovedor de la noche. Cohen, en el lanzamiento de su nuevo álbum y el atractivo combo de folk mundial Quartetinho, estuvo acompañada por el pianista y acordeonista brasileño Vitor Gonçalves, el guitarrista y bajista israelí Tal Mashiach y el vibrafonista y percusionista estadounidense James Shipp. La tierna “Going Home”, tomada de Dvorák Sinfonía del Nuevo Mundocerró el plató, dedicado “a todos aquellos que intentan encontrar su lugar, su hogar”.

El joven trompetista bahameño en ascenso Giveton Gelin (un protegido de Roy Hargrove) lideró un quinteto poderoso y fogoso, interpretando material de su bien recibido debut. Diseño verdadero. “Quiero sonar como todas las ramas de la estirpe de esta música”, compartió con el público. Diestro y emotivo, oscilante y propulsor, su sonido está innegablemente arraigado en la tradición, al tiempo que impulsa la música hacia adelante.

Otros trompetistas en Eilat incluyeron a Emma Rawicz, de Londres, que tocó en un lugar demasiado pequeño para el público que esperaba verla, y el israelí Eli Degibri. Rawicz presentó su quinteto, con el renombrado baterista israelí Asaf Sirkis, tocando material de su segundo álbum, Conjuro. Claramente en contacto con el espíritu de su generación, Rawicz, de 20 años, incorpora la electrónica a la tradición de los metales; su forma de tocar ganaba compromiso cuanto más cruda y exploratoria se volvía.

Degibri (Herbie Hancock, Al Foster), exdirector artístico del festival, presentó un concepto único: tres dúos con tres pianistas: Tom Oren, ganador del Concurso de piano Monk Jazz 2018; Omri Mor, que fusiona ingeniosamente música clásica, andaluza, argelina y latina; y el fluido e inspirado Aaron Goldberg, residente en Nueva York. Tocando sus propias composiciones y las de Degibri, cada uno aportó sus propios colores a la paleta para crear una experiencia verdaderamente singular, a menudo estimulante. Para cerrar, los tres pianistas subieron al escenario y tocaron simultáneamente, frente a Degibri. “Tengo ganas de dejar el piano”, reflexionó con humor un joven músico al salir del lugar.

Y había mucho más en el departamento de 88 teclas.

Ruslan Sirota, nacido en Ucrania y ganador del Grammy, cuya familia emigró a Israel cuando él era un niño, tocó un set memorable con un nuevo cuarteto acústico con el legendario baterista Dennis Chambers. La intrigante pianista y galardonada compositora Maya Dunietz estrenó su trío; free jazz, folk, rock y otros matices combinados con la tradición del piano de jazz en nuevas composiciones, así como material de su grabación de 2021 Libera al Delfín. El virtuoso colombiano Jesús Molina cautivó al repleto Red Note Club con su “Reborn” y “Spain” de Chick Corea, acompañado por el bajista israelí Guy Bernfeld, el guitarrista José Irarragorri y el percusionista Jorge “Patax” Pérez.

El pianista israelí Omer Klein, que actualmente reside en Alemania, habló de la alegría de volver a tocar en vivo después de la larga pausa de COVID, en lugar de estar en casa en pijama. “Somos una comunidad”, dijo. “Sin ti, solo seríamos tres tipos jugando solos”. Con el apoyo de Haggai Cohen Milo en el bajo y Amir Bresler en la batería, Klein mostró su lirismo y espíritu innovador. Abriendo con el viejo “Niggun” y pasando al material de su nuevo Objetos personales (Warner), el set incluía “Sun Girl” y “Good Hands”, dedicado a sus abuelos del norte de África.

Los artistas etíopes, prominentes en la escena musical israelí, estuvieron representados de varias maneras. La vocalista Orit Tashoma tocó la noche de apertura, entretejiendo poesía, palabra hablada y hip-hop enraizado en el jazz, el soul y el R&B estadounidenses, y los sonidos de Etiopía. Su conjunto, compuesto por jóvenes jazzistas, interpretó material de su álbum de 2019. Abundancia en escasez (HaShefa BaDalut), abordando su “crisis de identidad” como etíope israelí y artista femenina.

Abate Berihun, un saxofonista israelí nacido en Addis Abeba, acompañó al artista de hip-hop Ravid Plotnik, cuyo nombre artístico se deriva de la palabra amhárica Nech (ነጭ, que significa: blanco), que le dieron sus amigos de la infancia etíopes. Los dos interpretaron “Police State” con infusión de reggae de Plotnik, abordando las duras realidades experimentadas por los inmigrantes etíopes. “El cambio solo puede venir de nuestro interior”, cantó, mientras Berihun abrió con un conmovedor solo.

Mulatu Astatke, el padrino de Ethio-jazz de 78 años que estudió en el Berklee College of Music y colaboró ​​con Duke Ellington, tocó un set exclusivo con entradas agotadas que combinaba jazz moderno con ritmos etíopes tradicionales, incluida la música de la banda sonora hasta el película de Jim Jarmusch flores rotas.

También se presentaron un par de instrumentos no tradicionales en Red Sea. El armonicista y compositor israelí residente en Berlín Ariel Bart (William Parker, Andrew Cyrille) actuó con su quinteto el primer día. Sus composiciones e interpretación ofrecieron un enfoque único a la armónica cromática, inspirada tanto en el Medio Oriente como en la tradición del jazz europeo, su quinteto poco convencional con violonchelo, piano, bajo y batería.

El talentoso guitarrista Ofer Mizrahi presentó a su trío (Leat Sabbah al violonchelo y David Michaeli al contrabajo) en un conjunto de composiciones originales que muestran la guitarra Leviathan de 24 cuerdas que tomó cinco años fabricar. Este instrumento inusual, que, como explicó a la audiencia curiosa, es un cruce entre una guitarra y un sitar, facilita la incorporación de las influencias interculturales que informan su trabajo, incluida la música turca, india, del Cáucaso y occidental. El hipnotizante set acústico de Mizrahi subrayó uno de los únicos desafíos del festival: el sangrado del sonido de un escenario al otro, mientras los ritmos del hip-hop viajaban hacia el espacio íntimo de la actuación. El equipo de producción, plenamente consciente, seguramente solucionará esto para la próxima edición.

El director musical del festival, el bajista/productor Yossi Fine, interpretada en la intersección del jazz y el hip-hop el día de la clausura con Supergroove: artistas de renombre en la escena hip-hop israelí, acompañados por un grupo de jóvenes músicos. Nacido en París de madre de África occidental y padre israelí, Fine ha colaborado con artistas tan variados como Gil Evans, Kenny Kirkland, Vieux Farka Touré, Lou Reed y Stanley Jordan. Sintetizando todo eso, se lanzó a “A Love Supreme” de John Coltrane, llevando este estándar venerado a una gran multitud de amantes de la música. “Muchos jóvenes vinieron este año, y eso fue una bendición”, dijo Fine. JT.

Dominando los teclados con su distintivo soul/funk/jazz/blues, Cory Henry también tocó el último día, acompañado por el baterista TaRon Lockett y el bajista Joshua Easley. “¡Es como una iglesia aquí!” exclamó, un mar de manos agitándose testificando el impacto del trío. Henry arrasó con más de 2.000 oyentes entusiastas con «Sir Duke» de Stevie Wonder y «Lovely Day» de Bill Withers, toda la audiencia cantó y aplaudió, casi nadie se quedó en sus asientos. “Espero que la música que tocamos sea una fuente de inspiración”, dijo, y finalizó el set con su ultra funky “Don’t Forget”, repitiendo el estribillo: “Por favor, no olvides para qué estás viviendo”. En este festival, parecía que todo el público vivía por la música.