Entrevista de Paul Acquaro (con la ayuda de Nick Metzger)
El mes pasado, Nick Metzger revisó varios de los últimos lanzamientos del saxofonista James Brandon Lewis. De hecho, uno de ellos, ojo de yo, aún no había sido lanzado. Nick escribió:
Sobre el próximo lanzamiento de 2023 ojo de yo, el primero de Lewis para el sello Anti, se le unen Chris Hoffman en el violonchelo eléctrico y Max Jaffe en la percusión para un conjunto de trío abrasador… Lewis explicó que le encanta el toma y daca de este trío, afirmando: vez que jugamos, las cosas mejoraron de inmediato. Todo lo que hace ese grupo se siente fresco. (Ver reseña)
Con motivo del lanzamiento del álbum la próxima semana, Nick y yo pusimos en común algunas preguntas para Lewis, que en la práctica casi no eran necesarias ya que la conversación parecía fluir con la más mínima indicación. Lewis y yo hablamos sobre la trayectoria de su carrera en los últimos años, su próximo álbum ojo de yoy luego las cosas se ponen realmente interesantes.
Esta entrevista se realizó el 23 de enero.
Pablo Acquaro: Entonces, parece que los últimos años han estado bastante ocupados para ti. Sólo de pensar en tu música grabada, has tenido los tres Música Sistemática Molecular álbumes en Intakt. Manifiesto rebelde en tono relativo, vagón jesús en Tao Forms, y hay otros que estoy seguro de que no he mencionado, pero solo considerando esas grabaciones, eso es bastante exagerado. Sobre el HSH en vivo álbum, que estaba grabando en medio de la pandemia, hay un pequeño fragmento que siempre me llama la atención en el que dices lo emocionado que estás de tocar esta música en vivo por primera vez… así que, para empezar, mi pregunta es, ¿cómo te fue durante la pandemia? ¿Qué te mantuvo ocupado?
james brandon lewis: Bueno, ya sabes, es interesante, creo que al comienzo de la pandemia, mi último concierto fue en Town Hall con William Parker. Había reunido una banda para volver a visitar su proyecto de Curtis Mayfield… como alrededor del 5 de marzo, quiero decir.
Estaba programado para ir de gira. Había formado una banda, éramos yo, John Edwards, Mark Sanders y DD Jackson. Estábamos programados para tocar en unos cuatro o cinco conciertos juntos. Solo fui algo improvisado. He trabajado antes con Jackson y he tocado dos veces con John Edwards, pero solo una vez con Mark Sanders. Mark Sanders, John Edwards y yo tocamos en el Café OTO hace unos años y fue bastante sorprendente (4.2.18, OTOROKU, 2019). Entonces, cuando eso se canceló, me preocupé. Como cualquiera, creo que durante las primeras semanas, estaba muy estresado, tratando de averiguar qué iba a hacer por dinero. Mantengámoslo completamente real. Afortunadamente, siempre he sido bastante frugal con mi dinero, especialmente con el dinero que gano en las giras. Entonces, tenía algunos ahorros, pero después de un tiempo supe que se iba a agotar. Así que simplemente entré en modo de acción.
Pero también, permítanme enfatizar que sé que mi identidad como persona no estaba ligada a la necesidad de tocar para una audiencia. Disfruto tocar para una audiencia, pero he llegado a un punto en mi vida donde ese aspecto de la música es parte de ella. Pero para mí, solo disfruto a medida que envejezco. Aún no tengo 40 años, pero está ladrando. Acabo de aprender al pasar tiempo con mi familia, mis seres queridos, las personas que me importan. que mi identidad descansa en quien soy en general y no en que soy músico. Sin embargo, nunca he dado por sentado ningún trabajo ni ninguna oportunidad. Entonces, si iba a terminar, estaba bien con eso. Lo que me estresaba era ¿qué iba a hacer para sobrevivir? Porque, por supuesto, había trabajado en otros trabajos cuando era más joven. Fácilmente podría haber sido una posibilidad de ir a las estanterías o trabajar en una biblioteca.
Entonces, entré en modo de acción y compré algunos equipos electrónicos, obtuve un iPad y enseñé algunas lecciones en línea, lo cual fue muy alentador. No he hecho un montón de enseñanza. He sido conferencista invitado y he dado clases magistrales, pero esta fue una oportunidad para mí de enseñar una lección que me hubiera gustado crecer, a pesar de que estas personas tenían mi edad o más. Casi todas las lecciones comenzarían con una cita, algo para que reflexionemos, ya sea relacionado con la música o no, pero algo sobre lo que comenzaríamos la lección con algo en lo que pensar. También asignaría un documental para ver una semana. No importaba la duración, no importaba el género, solo algo que se relacione con la creatividad, lo que significa ser creativo. Y luego asignaba escuchas, porque eran saxofonistas. Entonces, las escuchas cubrirían la mayor parte posible del continuo del saxofón. Una semana podríamos estar repasando a Sonny Criss. La próxima semana podríamos estar repasando a Frank Lowe o Frank Wright, y la próxima semana podríamos repasar a Teddy Edwards o Bill Baron. Entonces, el punto principal era asignar escuchas para que una persona pudiera escuchar la paleta, es como cuando alguien está experimentando con la comida o el vino, tienes que desarrollar una paleta para comprender todas las diferentes formas en que puede sonar el saxofón. No era realmente el tipo de lección en la que te hablaría sobre dos-cinco-unos o escalas para practicar. No soy el hombre para eso. No es que no tenga esa información. Fui a la escuela para eso, pero esta no es una oportunidad para mí de regurgitar información. Fue una oportunidad para dar una lección de dónde estoy ahora mentalmente. No me opongo a esa información, pero creo que cubrimos diferentes cosas para pensar, conceptualmente, sonar, hacer tus propias escalas, o como lo llama Nicolas Slominsky en su libro. El camino a la músicauna escalera tonal.
Eventualmente, los conciertos aumentaron. Tuve mucha suerte en Molecular en vivo, de hecho, fuimos una de las primeras bandas en abandonar el país cuando las cosas comenzaron a abrirse nuevamente. Fue mucho papeleo para llegar a Suiza, las pruebas de Covid y todas las pruebas que necesitabas para poder viajar. Ese disco salió muy bien. lanzamos el álbum Molecular en 2020 y solo habíamos tocado esa música una vez antes de la sesión de grabación, y luego sucedió la sesión de grabación. Así que esta fue la primera vez que tocamos esa música en vivo y esos caballeros son increíbles.
Molecular
marca algunos períodos de tiempo. Número uno, marca el período de tiempo en el que entendí lo que necesitaba para crecer. Todos los músicos de la banda son mayores que yo, eso es a propósito, y todos pueden patearme el trasero cualquier día de la semana. Definitivamente hay una forma sistemática en la que estoy organizando el material, sin duda; sin embargo, lo que agregan, traer sus voces individuales a la mesa y sus conjuntos de habilidades realmente me empuja a otro lugar de crecimiento y comprensión. Entonces, esa es una respuesta larga para lo que estaba haciendo durante Covid, pero quería contextualizar todo.
PA: Entonces, creo que podrías decir que algo positivo salió de este tiempo para ti.
JBL: Bueno, seguro. Creo que fue más bien una realización de algunas cosas. Número uno es que me dio una idea del hecho de que estoy bien con la vida y estoy bien con lo que he hecho con mi vida. Y puedo decir honestamente que nunca he dado por sentado ningún momento para tocar música con la gente, porque había aceptado que estaba bien si esto terminaba. La parte viva de eso me estresaba, no la parte musical. La música no es el problema, es todo alrededor de la música. Ese es siempre el problema. La música, como en la creación, nunca es el problema. Entonces, hay un par de aspectos positivos, pero también es como una barra positiva, no negativa, cosas que sucedieron durante Covid que me resultaron extrañas.
Te daré un ejemplo. 2020, nadie toca y gano saxofones Rising Star en la revista Downbeat. Empiezo a recibir todas estas críticas y premios durante 2020/2021 cuando las cosas realmente no están sucediendo. Pero lo positivo de eso, y lo que creo que sucedió, es que la gente tuvo la oportunidad de revisar mi catálogo porque todos estaban en casa. Entonces, cuando gané estos premios, y por cierto, tengo una nueva filosofía sobre los premios, y es que son simplemente marcadores de existencia dentro de este período de tiempo. No son validaciones de conjunto de habilidades. Lo aprecio, pero son marcadores, marcadores de tiempo, de espacio, no diferentes a la música. Eso no es para criticar mis logros, pero me da tranquilidad ponerlos en esa categoría porque la bocina está en cero. No tiene memoria. Cuando lo cojo no recuerda nada, estoy en cero. Cada vez que lo cojo, está en cero. No hay inteligencia artificial en la campana. Eso también es humillante. De todos modos, creo que cuando sucedieron todas esas cosas, la gente se volvió más consciente de mi trabajo y dijeron: ‘wow’.
Hubo una parte durante el Covid en la que me dije, ¿para qué sirve esta música? Mi mamá tuvo algunos primos que murieron de Covid, ¿cómo puedo seguir inspirado para soplar aire a través de un tubo mientras la gente están perdiendo la vida? Pero luego, finalmente, llegué a un punto en el que me di cuenta de que tienes que levantarte y darte cuenta de que tu barco no puede hundirse. No puedes ayudar a otras personas si tu barco se está hundiendo. Entonces, llegué a un punto en el que decidí, está bien, no puedo permitirme hundirme porque la música es lo que me mantiene en marcha… y fue entonces cuando Whit Dickie, de Tao Forms, me llamó.
Dijo algo como, ‘esto va a sonar extraño, pero estoy comenzando un sello discográfico’. Estoy como, oh, está bien, estás comenzando un sello discográfico en medio de la pandemia. Sabes, de hecho, al principio, creo que esto fue en marzo de 2020 y podría haberme llamado en mayo. Dije: ‘Oh, está bien’. Tenía algunas ideas de lo que quería grabar y llevaba mucho tiempo reflexionando y pensando en George Washington Carver y así surgió (vagón jesús, Formas Tao, 2021). Entonces, sí, algunos aspectos positivos, la conciencia de la gente sobre mi trabajo y mis esfuerzos. Quiero decir, eso fue algo extraño. Ya sabes, estamos en medio de una crisis y mi carrera va en ascenso. Me pareció raro. No sabía si estar feliz o simplemente como, está bien, genial.
PA: Supongo que es como dijiste, necesitas seguir haciendo lo que haces. No puedes dejar que todo te pese de esa manera que te detenga. Jesup Wagon, me encantaría volver a eso más tarde, ahora mismo me gustaría pasar a lo que estás haciendo ahora… en un par de semanas saldrá la grabación de Eye of I.
JBL: La semana siguiente, el 3 de febrero.
PA: Es gracioso, estaba tan emocionado cuando escuché la grabación por primera vez en noviembre que la puse en mi lista de lo mejor de 2022 sin darme cuenta de que aún no se había lanzado. Tendré que posponer ese sentimiento hasta dentro de un año. De todos modos, este álbum es un concepto un poco diferente, supongo. Es un trío y creo que podrías haber mencionado en otra parte que habías estado pensando en este trío durante un tiempo. Entonces, ¿cómo se unió finalmente con Chris Hoffman en el violonchelo y Max Jaffe en la batería?
JBL: Bueno, trabajo con Chris en diferentes capacidades, con Rob Reddy. Así lo conocí. Luego me encontré con Max en el Vision Festival. Pero el concepto de trío en sí mismo, independientemente de la instrumentación, realmente comenzó cuando conocí a Matthew Shipp en 2011 en el Atlantic Center for the Arts. Me preguntó: ‘James, ¿alguna vez has tocado solo con un bajo y una batería?’ Y dije ‘no’. Esto surgió después de haberme graduado del Instituto de Artes de California y haber trabajado con Wadada Leo Smith, Charlie Haden y Joe LeBarbera, todas estas personas increíbles. Entonces, trajo a dos personas que tenían con Sam Rivers en Florida, Michael Welch y Doug Matthews, y vinieron al Atlantic Center for the Arts. Para mí, esa fue la primera vez que me sentí, no sé, me sentí liberada. Me sentí libre, me sentí desinhibido en que la línea melódica podía viajar a donde yo quería que fuera. Podría ser la guía, ya sabes, el ancla. Nunca había experimentado eso antes y, francamente, nunca había pensado en ello. Obviamente, he escuchado las mismas grabaciones que muchas personas diferentes han escuchado. He sido un gran fanático de Sonny Rollins, un fanático de John Coltrane, ya sabes, un estudiante del tipo de persona del juego, ese soy yo. Pero nunca había pensado en ello en el contexto de mí mismo y escribiendo para esa instrumentación. Eventualmente, eso me llevó a grabar con William Parker y Gerald Cleaver en Viajes Divinos y luego haciendo dias de hombre libre con Jamaaladeen Tacuma y Rudy Royston, y luego tener otra iteración de un conjunto con el bajo y la batería. Así que estos conceptos no son nuevos en cuanto a cómo escucho la instrumentación. Creo que para mí, el concepto en general es perseguir energía.
Durante el segundo año del encierro, me encargaron un encargo para escribir un cuarteto de cuerdas y realmente descubrí que tengo un sentido melódico muy fuerte. No lo supe por mí mismo hasta que tuve que hacer una pieza de cuerdas de 40 minutos. Y luego dije, ‘guau, está bien. Creo que me va bien escribiendo melodías. Además, el verano anterior al pasado, había regresado de Europa donde estaba de gira con Giovanni Guidi, el pianista italiano. Con él hice un disco tributo de música original a Gato Barbieri (ojos de gato, CAM Jazz, 2021) en el que Giovanni arregló sus propias versiones originales inspiradas en la grabación Tercer Mundo (Flying Dutchman, 1970) con Roswell Rudd y así sucesivamente. Tuvimos un trombonista realmente increíble, Gianluca Petrella, también Brandon López, Chad Taylor y Francisco Mela. Cuando regresé, estaba en lo alto de eso, además mi último álbum de trío fue Sin filtro (self, 2017) y eso fue en 2016/17. Entonces, hubo una sensación de renovación cuando regresé de Europa y dije: ‘Creo que necesito traer algo de música de trío a la mesa’. Me siento inspirado de nuevo para recuperar esa instrumentación. Y el violonchelo era solo una cosa que quería tener.
Cuando escribí toda esa música, estaba pensando en ciertas cosas que Henry Threadgill me había expresado durante este período de tiempo con respecto al sonido, y así fue como se me ocurrieron los interludios. Nunca me había dicho un saxofonista, y estoy hablando de Henry Threadgill, ‘¿te gustan las películas?’ Dije, ‘no, en realidad no’. Él dice: «Me gustan las películas y las uso como una forma de pensar sobre el sonido y el arte visual». Él dice: «¿Alguna vez has pensado en una nota como si tuviera un primer plano, un punto medio y un fondo? ‘ Eso me impresionó porque mientras toco el saxofón, pensar en una nota, incluso espacialmente sin el saxofón, es como si mis manos se movieran hacia arriba y hacia abajo. Estoy escuchando la nota, nunca pensé en desde un punto de vista de orientación espacial. Solo estaba pensando en ello como el sonido. Entonces, pensar en ello y luego tener una imagen visual de una nota, que tiene un medio, un frente, un fondo, fue realmente fascinante. a mí. Y así que estaba pensando en eso y también estaba pensando en mis formas de conocimiento e introspección, que es como se me ocurrió el título ‘Dentro de ti están las respuestas’.
También estaba pensando en el nacimiento y en cómo no estamos contaminados por el mundo, y toqué la pieza de Cecil Taylor, ‘Womb Water’, de la que nunca encontré una grabación, pero toqué con William Parker. Cuando comencé a pensar en ‘Eye of I’, pensé en el sentido de iluminación, de propósito, de cómo nuestra perspectiva siempre está fuera de nosotros, y nunca en el opuesto. Sabes, siempre, incluso cuando estás aprendiendo, dicen, ‘bueno, deberías aprender sobre esta persona y esta persona’. Nunca dicen, ‘bueno, deberías aprender tú’. Nunca es eso, nunca es eso por un tiempo, hasta que es demasiado tarde, y luego estás fuera del planeta. Entonces, pasaste toda tu vida aprendiendo las formas de ser de otra persona en lugar de cultivarte a ti mismo. ‘Eye of I’ también tiene todo el tipo de premisa bíblica de que el ojo es la lámpara del cuerpo, y cuando el cuerpo está lleno de luz, las cosas buenas vienen de eso. Entonces, estoy tratando de crear música que refleje estos sentimientos, o refleje estos sentimientos. Siento que los títulos realmente reflejan, al menos para mí, exactamente cómo me siento. En este tiempo de incertidumbre, de guerra, de ida y vuelta entre políticos, de maltrato a las minorías, maltrato a la mujer… y la política no es algo que estoy en mi casa desprendiendo, ya sabes, estoy en mi casa tocando musica. Sé que mi perspectiva sobre la política es muy limitada en comparación con alguien que es político porque son maestros en ser mapeados. La gente que quiere el bien para el mundo trabaja en ello las 24 horas del día, y la gente que quiere el mal para el mundo también trabaja en eso las 24 horas del día.
PA: Sí. Tal vez incluso más.
JBL: Sí. No estoy en mi casa trabajando en lo malo. Cuando estaba pensando en estos títulos, en toda esa confusión e incertidumbre, y todo el drama, para mí, siempre es una cuestión de, ya sabes, enviar los ‘Seres Seraficos’ (el título de una canción), enviar el cosas que necesitamos para poder superar esto. Y entonces todo tiene un propósito.
Y por supuesto, Donny Hathaway, amo a Donny Hathaway. ‘Algún día todos seremos libres’. me encanta eso Siempre me ha encantado esa canción. Siempre he sentido que suena genial, y tiene esta gran metáfora… (canta) «agárrate del mundo mientras gira. No dejes que el giro te deprima. Las cosas se mueven rápido». Eso es genial. Cuélgate del mundo mientras gira. Sí. No dejes que el giro te deprima.
PA: Tú, podrías escuchar eso en varios niveles, ¿verdad? Solo toma esa palabra «girar»…
JBL: Correcto. En varios niveles. Estoy emocionado de que la gente escuche la música y estaré de gira con esa música, trabajando con diferentes músicos. Simplemente fui a un modelo de apertura del conjunto. Trabajando con Chad Taylor en algunas giras, Josh Warner y el baterista de Bay Area Andy Niven. Decidí que quería abrir el concepto de trío para no necesariamente tener personas establecidas. Pero definitivamente estoy agradecido por la participación de Chris y Max en el grabar, pero en el espíritu de colaboración, me gustaría que al menos uno de mis conjuntos siguiera cambiando.
PA: En, ‘Someday We’ll All Be Free’, la segunda canción del álbum, justo después de una de esas pequeñas pistas incidentales…
JBL: Los interludios.
PA: Sí, los interludios, de los que también quiero hablar… la canción de Donny Hathaway tiene un arreglo muy diferente al de la melodía original. Es hermoso. La palabra que había escrito para ella era ‘cinemática’, esa canción tiene una sensación cinematográfica en la forma en que la hiciste. ¿Cuáles fueron sus pensamientos detrás del arreglo?
JBL: Bueno, ya sabes, es interesante porque creo que había querido hacer una versión de una canción de Donny Hathaway durante mucho tiempo, pero nunca sentí que iba a darle una vibra sincera de JBL.
Estoy bastante seguro de que mi melodía, la forma en que toco la melodía de Donny Hathaway, está en la misma tonalidad, excepto que cambié los acordes a acordes potentes para soltarla, para abrirla. Yo escuchaba su versión y como la cantaba, y luego la cantaba, y así terminé componiendo. No creo que puedas tocar esa canción sin saber realmente las palabras, porque las palabras dictan gran parte del ritmo de la melodía.
Hay tantas formas de expresarse al estilo de Donny Hathaway. Algo así como cuando (canta) ‘agárrate al mundo mientras gira, cabalga, simplemente no dejes que el giro te deprima’. Las cosas se están moviendo rápido. Así es exactamente como lo tocamos en el disco. Luego aceleramos y luego escuchas a Kurt Knuffke, que está en la corneta, tocar ese verso. Es un lindo homenaje. No es exacto, pero definitivamente sentí que esto es «Algún día todos seremos libres». Le estoy dando apoyo a Donny porque definitivamente estamos tocando las melodías. Entonces ese fue ese proceso de pensar en múltiples cosas, pensar en la música soul, pensar en el rock, pensar en los años ochenta. Luego, cuando lleguemos al soplado y se trata de la libertad. Sí. Pero somos libres.
PENSILVANIA:
JBL: Correcto. Exactamente.
PA: Pero ahora también es tuyo. Pensando en rock, tienes la cancion’No temáis‘ en el álbum. Esta melodía casi se mete, no sé, en territorio de Crazy Horse o algo así. ¿Cómo surgió esa relación o emparejamiento entre usted y el grupo, los Messthetics?
JBL: Bueno, he trabajado durante muchos años en este momento con Anthony Pirog, el guitarrista. Nos conocimos por primera vez en sesiones de grabación con William Hooker y conocemos gente dentro de (Washington) DC. Se vinculó con el Mestésica Hace un tiempo. Mi interacción con ellos comenzó antes de Covid. Creo que tocamos juntos en Winter Jazz, tal vez en 2018/19. Me tenían sentado con ellos y tocamos una melodía de Miles Davis y luego tocamos algo fuera de lugar. Pregúntale a las edadesel álbum de Sonny Sharrock.
Luego, durante el verano, todos tocamos juntos en Union Pool (espacio de actuación en Brooklyn). Me senté en dos o tres canciones y el ambiente era increíble. Tuve la oportunidad de tocar con Joe Lally y Brenden Canty de la legendaria Fugazi. Dice mucho de su apertura, y la mía también, para no limitarme a ‘bueno, esto es lo que soy y esto es lo que no soy’. No, todo esto se trata de música en el espíritu de la música. Y así, durante el proceso, después de grabar el disco, ANTI me sugirió que grabara uno o varios sencillos. No era un requisito que tuviera que lanzar un sencillo del álbum necesariamente, pero estaban en la ciudad y me habían preguntado si quería tocar en el Bellhouse en Brooklyn. Así que tocamos y, curiosamente, fue la misma noche en que tocaba Ceramic Dog de Mark Ribot. Mark me hizo sentarme con ellos, así que básicamente toqué toda la noche, y fue una gran vibra. Entonces, estamos hablando de tres años en este punto de colaboración.
Había escrito esa canción, ‘Fear Not’ hace años. Probablemente 2017/18, pero nunca tuve la oportunidad de grabarlo, aunque lo toqué en diferentes conjuntos. Entonces, cuando surgió esto y estaban en la ciudad, hicimos un gran arreglo, y el resto es historia. Ahora tenemos estas giras próximamente. Tengo una gira próxima con ellos en febrero y marzo. Y va a ser genial, hombre. Esas son grandes personas con las que trabajar.
PA: ¿Dónde es el recorrido? ¿NOSOTROS?
JBL: Sí, en la costa oeste. Sabes, tenemos algunas fechas en Los Ángeles, San Diego, el Área de la Bahía, luego algunas en Portland, luego en Seattle. En marzo, será la Costa Este, Nueva York, Filadelfia, DC, Pittsburgh y Detroit. Será bastante excesivo, ya sabes, y estoy emocionado por ello. Son una gran banda. Sabes, de hecho tengo un concierto el próximo sábado con los Messthetics. Recientemente hicimos un álbum completo juntos, pero eso es todo lo que puedo decir al respecto.
PA: Está bien.
JBL: Bueno, ya sabes, esto es una cosa. Creo que la música en sí, todo el álbum, está a tantos grados de… es como tan cerca y, sin embargo, no tan lejos.
Toco el saxofón, que siempre va a dictar, basado en la historia del instrumento, el jazz. Eso es lo que la gente piensa, no necesariamente lo asocian con el rock, aunque ha habido este coqueteo con el punk rock y la música de vanguardia en relación con el estilo de vanguardia del jazz o como quieras llamarlo, por un tiempo. De hecho, Thurston Moore hizo las notas del transatlántico. Conocí a Thurston en un instituto de escritores de la Universidad de Naropa, la Escuela de Poética Incorpórea Jack Kerouac. Además, he estado colaborando con Ribot a lo largo de los años. estoy en su Canciones de resistencia álbum. Entonces, siempre existe este cruce, siempre existen estas vibraciones que suceden si estás abierto a ello. Y entonces, he estado abierto y creo que la gente lo recibirá bien. Creo que ANTI ha sido un gran apoyo, definitivamente están tratando de llevar el álbum a diferentes personas, diferentes audiencias, y creo que ya está llegando a diferentes audiencias. Así que sí, creo que encaja bien con lo que estoy tratando de hacer, estoy tratando de perseguir la energía. En lo que respecta a la dinámica, no sé si estoy pensando demasiado en la dinámica cuando se trata de la música del trío. Estoy pensando, especialmente en vivo, en esa energía. Quiero que sea enérgico y que tenga ese tipo de vibra punk rock. No es música para los débiles de corazón.
PA: Los interludios, ‘primer plano’, ‘medio plano’ y ‘fondo’, son realmente llamativos, digamos. Son diferentes, hay una estética completamente diferente, y luego desaparecen. Empiezan y dices, ‘oh, interesante. ¿Adónde fue eso?» De todos modos, ¿escuchas una canción más larga en alguno de esos?
JBL: Sí, lo hago. Pero esas fueron solo ideas breves de improvisación colectiva. Parte de esto son cosas estéticamente que ya he hecho en álbumes anteriores. Entonces, es como darle a la audiencia un breve resumen de lo que he explorado. No necesariamente todos ellos. Hay algunos que creo que podrían ir a cualquier parte, pero definitivamente fueron como pequeñas improvisaciones de 30 segundos.
PA: Ya que estamos hablando de cómo este álbum cambia un poco la energía o la dirección, tengo curiosidad, ¿cuáles son algunas novedades? lanzamientos o, o, o cosas que has escuchado en los últimos años que te han llamado la atención? No tiene que ser jazz, por supuesto.
JBL: Sí. Esa es una gran pregunta porque hay un álbum en particular del que les he estado contando a todos que ha sido mi unicornio, mi fuente de la juventud, ya sabes, mi boleto dorado, que es Motivación por Bill Barron, hermano de Kenny Baron. Ese álbum no ha sido relanzado y solo puedes escucharlo en YouTube. Ahora, Bill Baron, la generación de John Coltrane, cuando descubrí esta grabación en YouTube, volteé la tapa porque sonaba muy diferente. Suena totalmente diferente a su generación. La forma en que las melodías están estructuradas en intervalos, es casi como escuchar a Eric Dolphy en el saxo tenor. Esa es una de las cosas que he estado escuchando. Luego, el otro día, me di un atracón y volví a visitar a Ornette, lo cual hago a menudo, pero en orden cronológico.
PA: Está bien. Empezando por el principio.
JBL: Al principio, sí, Algo más. Simplemente seguí adelante y eso fue agradable. Y luego Teddy Edwards, realmente me enamoré de él durante Covid, un jugador de la Costa Oeste. Solo depende, oh, está Stone Alliance con Steve Grossman. Chad Taylor me envió a ellos. No creo que hayan hecho nunca un mal álbum.
Algo no relacionado con la música que me ha interesado es este filósofo, Henri Bergson. He estado leyendo Introducción a la Metafísica. La filosofía de Bergson se centra en el hecho de que la intuición es una verdad absoluta. Y por esa razón, argumenta que una persona que razona o está operando en esa línea siempre está fuera de un objeto. Pueden darte las dimensiones del mismo, y él simplemente argumenta que una persona que está operando con la intuición está dentro del objeto. Se convierten en el objeto, que pensé que es un bien, que es lo que necesito en mi vida, lo intuitivo.
PA: Oh, bueno, gracias. Algunas cosas para explorar. Bueno, realmente aprecio tu tiempo. No quiero alargar mi bienvenida aquí. Así que mi última pregunta absoluta es, ¿hay algo que debería haberte preguntado? ¿Algo de lo que te gustaría hablar?
JBL: Sabes, lo único que me interesa hablar ahora es el hecho de que, a lo largo de los años, estoy implacablemente determinado a ser mi yo más auténtico. He estado publicando estas grabaciones a un ritmo elevado, no por hacerlo, sino porque siento que tengo un poco que decir, un poco, no mucho, un poco que decir. y que no puedes estar en deuda con el pasado para siempre. Eventualmente, tienes que salir y decir: ‘Tengo algo que me gustaría decir si está bien’. Entonces, he estado lanzando estas grabaciones, Molecular Systematic Music. Algunas ideas sobre eso es que hay una grabación que completa esa serie y se lanzará en algún momento del otoño, y luego hay un seguimiento de vagón jesús.
PA: Oh, genial. ¿Así que estás tomando los conceptos detrás de estos álbumes y explorándolos un poco más?
JBL: Sí, ya están listos.
PA: Está bien. Los ha explorado más a fondo.
JBL: Sí, están listos, solo que aún no se han lanzado. He estado publicando a un volumen tan alto porque cuanto mayor me hago, más me doy cuenta de lo frágil que es el tiempo. Tengo algo que me gustaría decir y tengo que sacarlo a la luz. En lo que respecta a la Música Sistemática Molecular, está yendo bastante bien. Básicamente para las personas que no entienden de qué se trata, es un sistema metafórico que traza una correlación entre la biología molecular y la música para luego construir ADN artístico con fines de improvisación y creatividad, del cual estoy trabajando actualmente en mi doctorado en la Universidad. of the Arts, un doctorado en filosofía en la creatividad. Así que he estado explorando el sistema y estudiando la metáfora.
La metáfora es una forma de conceptualizar y construir nuevas realidades con material preexistente, nociones preexistentes de cómo pensar y es como he estado trabajando durante los últimos 10 años. Lo que también aumentó mi ritmo es que descubrí cómo aprendo, cómo estudio y lo que me interesa, se volvió menos acerca de ser algo que no soy. Realmente he madurado en ser Opuesto a prueba.
PA: Entonces, ¿diría que comenzó el programa de doctorado, y felicidades por eso, es un gran paso, porque se inspiró en su propia música para hacerlo? ¿O era una especie de cosa separada y ahora estás mirando hacia atrás a tu música y pensando en ella de una manera nueva?
JBL: Um, no, es algo que ya comenzó en 2011. Tenía un nombre diferente antes de Molecular Systematic Music. Covid también me inspiró a comenzar a hablar y escribir sobre mis propios enfoques de la música. Tengo varios artículos publicados a través de Prensa de arquero hablando de filosofía y modos de relacionarse con la metáfora y la Música Sistemática Molecular. El doctorado es algo en lo que he estado pensando durante un tiempo, y este programa realmente me da la libertad y la capacidad de expansión para trabajar en mi propio sistema, a diferencia de otros programas que fomentan algo más. Tengo un comité de disertación, hago mucha investigación independiente, y la Música Sistemática Molecular es realmente extensa, el estudio de signos y símbolos a través de Roland Barths y Charles Pierce. Y luego estoy estudiando biología molecular y metafísica en relación con la intuición, y tengo varios libros de Buckminister Fuller y Rudolph Steiner, quienes también hablan sobre la intuición. Creo que son formas de ser y simplemente estoy explorando algo que siempre me ha interesado, y luego me ayuda obtener un doctorado para hacer mi investigación. Creo que ahora vivimos en una era diferente, donde cuanta más documentación tengas, mejor, porque entonces la gente está menos inclinada a… quiero decir, te criticarán de todos modos, pero al menos está documentado.
PA: Bueno, estaré interesado en leer la disertación cuando esté terminada.
JBL: Vale, sí. 2025.
PA: Está bien. Muy bien. Entonces, solo una pregunta rápida para llevar la música a un nivel más práctico. ¿Qué ven y con qué trabajan los músicos cuando presentas nueva música que escribes usando este sistema?
JBL: No les he encargado la tarea de aprender los símbolos que se me han ocurrido. Están usando notación occidental. Puedo poner la información en notación occidental o símbolos. Recientemente me interesé en los cuadernos de laboratorio, como se ven los cuadernos de laboratorio y me sentí muy inclinado a comprar una bata de laboratorio. Está bien, ya sabes, no para usar en el escenario, porque sé que eso ya se ha hecho.
PA: Correcto.
JBL: No estoy interesado en eso en absoluto. Pero por mi propio bien, usar una bata de laboratorio mientras practico y entrar en ese modo de comprensión y el ADN está sirviendo como una metáfora. Cuando digo ADN artístico, básicamente me estoy preguntando qué te hace ser quien eres. Y luego definirlo sistemáticamente a través de cualquiera que sea tu metáfora para la vida. Entendemos muchos conceptos en la vida a través del uso de metáforas y eso es en lo que estoy profundamente involucrado en este momento. Ha sido emocionante, ha sido emocionante incluso antes de recibir este sello de la escuela.
La idea de mi trabajo, mis observaciones de ver estas dos notas fusionándose, ahora estoy agregando tres notas y estoy estudiando la doble hélice, es emocionante. Ya sabes, en ciencia están usando lenguaje como ‘triplete’ o ‘doble tiempo’. Cuando comenzamos a hablar sobre los ritmos circadianos y sobre el efecto de la luz sobre nosotros mismos y lo que eso significa en cuanto al tiempo, es fascinante. Usan todas estas cosas y dibujan correlaciones. Siempre recuerdo a Leonard Bernstein en La pregunta sin respuesta. Dice que la mejor manera de conocer una cosa es en el contexto de otra. Eso es lo que es la metáfora, básicamente tratando de sacar inferencias entre dos entidades separadas.
Así que eso es lo que he estado haciendo. No lo llamé Música Sistemática Molecular al principio, sino que hay una forma en que construyo la música, y hay una razón por la cual mi conjunto de habilidades ha cambiado a través de este sistema. Si escuchas cómo juego ahora, a diferencia de cuando hacía Viajes Divinos, que jugar está a años luz de distancia. Esos son dos jugadores diferentes. Mismo tono, pero dos jugadores diferentes. Dos concepciones diferentes, válidas. Ya ni siquiera practico así. Ni siquiera recuerdo cómo estaba practicando entonces. Pero, sí, es un período de tiempo emocionante en este momento para mí. Me siento muy confiado. Me siento muy centrado y no de una manera egoísta, solo de una manera muy liberadora, como ver todo como uno.
Veo más cosas como una ahora que antes en mi vida. Si estoy sentado y estoy leyendo, como si estuviera leyendo el primer capítulo del
Regla de la metáfora de Paul Ricoeur, y mientras leo eso, me digo a mí mismo, no hay ansiedad por no tomar mi saxofón. No, esto también es parte del saxofón. Entonces, eso en sí mismo ha sido muy liberador. Quiero decir, cuando era más joven, si no estaba en mi bocina, — ahora, no me malinterpreten, estoy tocando mi bocina casi todos los días durante horas, pero no tengo ninguna ansiedad, porque me doy cuenta de que todo está influyendo en todo. Básicamente, obtuve esto de Charles Ives. Estaba leyendo la biografía de Charles Ives y describe el hecho de que todos los días él sale y vende seguros; en realidad, es uno de los pioneros o padres fundadores de la forma en que son los seguros en Estados Unidos, y además de financiar New Music y New Music Journal, una de esas revistas que aún existen y apenas escuchó su música en toda su vida. – y todos los días llegaba a casa, cenaba con su esposa y luego componía por el resto de la noche. Le preguntaban: ‘Oye, ¿alguna vez sientes que estás sacrificando algo?’, a lo que él respondió: ‘No, es todo uno’. Cuando paso tiempo en la oficina, a veces aprendo más sobre música de personas que son gente de negocios que de músicos reales.’ Que es lo mismo que dijo Bill Evans en una entrevista. Dijo que el laico es capaz de entender más porque no está tanto como la persona que está en él. La persona que es músico siempre está en la cosa, donde alguien fuera de la cosa puede apreciarla desde una perspectiva totalmente diferente. Así que creo que estoy en un momento hermoso de mi vida donde sé cómo usar mi tiempo sabiamente.
Levanto mi cuerno y pienso, ‘está bien, necesito hacer algunos tonos largos’ o tengo que hacer esta otra cosa. Debido a que he creado mi propio sistema, la responsabilidad de aprender el sistema y practicarlo recae en mí. La presión es mía, no está fuera de mí. Aquí es donde las cosas solían volverse molestas, ya sabes, estoy practicando todas estas cosas que básicamente no tienen nada que ver con mi propio proceso de pensamiento o mis propias habilidades analíticas, sino que básicamente solo copio y aprendo cómo alguien más está procesando la información. Pasé gran parte de mi vida haciendo eso y me retiré de hacerlo hace mucho tiempo. Cuando descubrí cómo aprendí, que fue básicamente en 2006 después de graduarme de la licenciatura, me tomó todo ese tiempo darme cuenta de que la forma en que aprendí, nadie me la enseñó en la escuela.
Tu primera semana de clases, las primeras tres semanas de clases, cuando eres un estudiante universitario, en mi opinión, alguien tiene que decir, ‘bueno, ¿cómo te gustaría renovar la educación?’ La primera semana, las primeras tres semanas, el primer mes, ¿sabes lo que estamos haciendo? Estoy haciendo que los niños analicen y descubran cómo estudian, cómo aprenden. Cómo están procesando la información. Luego, una vez que lo descubras, pasaremos a todas las demás cosas. Pero si no sabes cómo estudiar, no sabes cómo tu cerebro procesa la información y, en última instancia, solo te alimentan con cuchara de la misma manera de aprender que: crecí con un educador, mi madre enseñó y yo nunca la vi enseñar a un niño de la misma manera. Sabía cómo enseñar un tema de cinco o seis maneras diferentes. Ahora así es como se educa. Eso es lo que yo haría. Entonces, de todos modos, cuando descubrí cómo aprendí, que son básicamente fragmentos, cantidades más pequeñas de información, células, microaprendizaje, entonces fue cuando salí disparado de este reino.
PA: Bueno, probablemente un poco de ese trabajo preliminar sea necesario para que puedas saber cómo aprendes. Si realmente le preguntas a algunos estudiantes, «¿cómo aprendes?» Probablemente dirán, «oh, no sé». No creo que necesariamente tengas esa idea como estudiante universitario y probablemente necesites pasar por un poco de lo que no te gusta para descubrir lo que te gusta.
JBL: ¿Sabes qué? De hecho, estoy de acuerdo contigo, pero creo que el problema es que cuando no estás expuesto a dos formas de aprender, ni siquiera sabes que es posible.
PA: Sí, claro.
JBL: He estado en ciertas situaciones… cuando tenía poco más de veinte años, donde la única vez que se mencionó que un afroamericano había contribuido a la música de vanguardia fue cuando tocábamos una pieza tradicional, lo que la gente considera como un pieza de jazz tradicional, y dijeron, «oh, cometiste un error». Dije, «no, no cometí un error». «Oh, bueno, esta no es tal o cual banda. Esta es x, y, z». Pero mira, esta es la cosa. Si nunca sabes lo que es posible, porque las personas que te están enseñando son ineptas, entonces te pasas toda la vida encerrado en una situación porque nadie nunca te encendió la lámpara y dijo: «Oye, aquí hay otra manera». Tu cerebro ni siquiera está pensando en la posibilidad de otro camino.
PA: Claro.
JBL: Entonces estás, estás en la tierra nebulosa. Estás en esta cosa nebulosa. Creo que la primera vez que tenía poco más de veinte años, la primera vez que escuché una grabación de Ornette Coleman, me sentí robado. Dije, «guau, esta es otra forma de pensar». Es alguien de quien nadie habló nunca. No hablaban de Ornette Coleman cuando yo era niño en Buffalo. Ni en la escuela, ni en la escuela pública. No estaban hablando de Ornette cuando fui a Howard. Fui afortunado, cuando conocí a Charlie Haden, cuando fui a CalArts, fui bendecido. Me sentí como, me sentí como, «guau». Así es como me sentí. «Guau.» Esto es increíble, hombre.
PA: ¿Te ves a ti mismo alguna vez asumiendo ese papel? ¿Enseñanza quizás?
JBL: ¿Adoctrinar a la gente?
PA: No, desdoctrinando a la gente. La Antidoctrinación.
JBL: Sí. La anti-doctrinación. Sabes qué, no me opongo a eso. Creo que estoy abierto a la posibilidad de eso. Sin embargo, creo que es lo mismo cuando alguien me pregunta sobre la música sistemática molecular, ¿alguna vez querrías enseñarle a alguien tu sistema? No, no creo que lo haga. Pero lo hago en el sentido filosófico. Me encantaría que alguien se fuera y dijera: «¿cuál es mi versión de esto?» No, «debería hacer esto». Nadie necesita eso, y eso es lo que Wadada solía enseñarme cuando estaba en CalArts. Él decía, cuando estás componiendo, ¿qué problema estás tratando de resolver? Y luego estudiábamos, escuchábamos diferentes ejemplos. Estudiaríamos a Tupac, estudiaríamos a Billy Holiday, Thelonius Monk y Michael Jackson. Entonces nos preguntaría ¿cuál es el momento único? Como él lo llamaría. ¿Qué es lo que sucede en la música que no sucede en ningún otro lugar?
Ese es el argumento con ‘Giant Steps’. Eso era cosa de Coltrane. Solo John puede jugarlo. Nadie ha tocado nunca ‘Giant Steps’ mejor que John Coltrane. Ninguno. Porque se le ocurrió. Entonces, ¿cuál es tu versión de eso? ¿Cuál es tu – Nunca lo olvidaré. Cuando estuve en la Universidad de Denver durante un semestre y este pianista Eric Gunnison, que es de Buffalo. Creo que tocaba con Carmen McRea, solía tenernos en clase. Analizábamos, por ejemplo, piezas de John Coltrane y diferentes personas y él decía: «ahora quiero que vayas a casa y hagas tu versión de lo que acabamos de experimentar. No copies esa versión. Averigua cuál es tu , ¿cuál es tu equivalente a esto? ¿Con qué estás luchando? ¿Con qué progresión estás luchando? O qué fórmula puedes crear a partir de estos principios, a partir de estos principios rectores».
Y nunca olvidé cosas como esa en todos mis años de ir a la escuela y aprender. Hay una cosa que puedo hacer con el saxo y básicamente era un estudio. Escribí un estudio para mí. Ahora puedo tocar de esa manera porque escribí un estudio, esta aplicación real para tocar esta pieza una y otra vez.
PA: Acabas de hablar sobre estudiar o estudiar el trabajo de importantes músicos y compositores. ¿Hay alguna gente, algún músico con el que te gustaría tocar todavía?
JBL: No es algo en lo que pienso a menudo, creo que me llama la gente con la que quiero trabajar. Trabajo con William (Parker). Cuando me llama, estoy allí. Hace poco estuve en el Stone con Ches Smith. Trabajo mucho con Chad Taylor. Trabajo con la gente con la que quiero trabajar. Si mañana Jason Moran me llamara… o, déjame contarte sobre un grupo que se suponía que iba a pasar. Casi tuve la oportunidad de jugar con Han Bennink. Se canceló debido a Covid, pero íbamos a ser yo, él y Shabaka (Hutchings). Sería bueno jugar con él. Estoy dispuesto a trabajar con cualquiera, siempre que me permita ser yo mismo.
PA: Entonces, gracias. Me alegro de haberte hecho la pregunta de lo que no te pregunté.
JBL: Seguro. En realidad, con suerte podemos imprimir todo eso, eso sería bueno. Dale a la gente algo en lo que pensar, hablar.
PA: Oh, creo que Free Jazz Blog es un lugar para poner algo como esto. Jazz libre, charla libre. Nuevamente, gracias, fue un verdadero placer hablar con usted.
JBL: Gracias. Asimismo.
ojo de yo sale el 3 de febrero en ANTI records.
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