Equidad Racial y de Género en el Aula de Jazz

Aproximadamente un año después de que comenzara a trabajar en la Universidad de Harvard, el pianista y compositor Vijay Iyer estaba en una reunión de profesores. Un comité visitante, un grupo de académicos de instituciones pares, había estudiado y emitido un informe sobre el departamento de música de Harvard. Entre sus hallazgos estaba que había un problema de diversidad entre las carreras de música; la abrumadora mayoría de ellos eran hombres blancos.

En ese momento, el plan de estudios también se centró abrumadoramente en la tradición clásica europea. Su repertorio, teoría musical e historia de la música se apoyaron fuertemente en el llamado «canon occidental». Cuando el director del departamento le pidió a la facultad que respondiera al informe, Iyer, la única persona que no era blanca presente, observó cómo el silencio llenaba la sala.

Finalmente soltó sus pensamientos. “Bueno, si los estudiantes no se ven reflejados en nuestro plan de estudios”, preguntó, “¿por qué deberían acudir a nosotros?”.

“La gente simplemente lo deja reposar por un tiempo”, recuerda Iyer hoy. “Después, algunos de mis colegas me enviaron un mensaje de texto y me dijeron: ‘Me alegro mucho de que hayas dicho eso’. Y yo estaba como, ‘Bueno, ¿por qué no tú ¿dilo? ¿Por qué simplemente te sientas en esta verdad obvia?’”.

Le tomó un tiempo a su observación afianzarse. “Pero después de eso”, agrega, “todo el plan de estudios se deshizo y se rehizo. Ahora es un trabajo en progreso, pero ahora hay muchas maneras diferentes de ser un concentrador de música en Harvard. No es solo a la antigua; eso todavía existe pero hay otras formas. Entonces, si estás en la habitación, a veces puedes hacer una pequeña diferencia que importa”.

Terri Lyne Carrington, la baterista/compositora que también es la fundadora y directora del Berklee Institute of Jazz and Gender Justice, está de acuerdo. Estar allí y estar listo para tomar la iniciativa es la parte más importante para abordar la inequidad racial y de género (en la educación del jazz o en cualquier otro lugar).

“El mismo hecho de que el Instituto exista obliga a otras entidades de la universidad a observar sus prácticas”, dice ella. “Tenemos que trabajar con la administración, admisiones, departamentos de conjuntos, departamentos de grabación. Entonces, al descubrir cómo trabajar juntos, todos deben mirarse a sí mismos, cómo están contribuyendo a estas desigualdades y qué sienten sus estudiantes al respecto. Así que estamos dando un ejemplo, en cierto sentido, que otras personas pueden aprovechar, o no, pero al menos se verán obligados a observar sus prácticas”.

Los problemas raciales y de género están tan profundamente arraigados (si no más) en el jazz y la educación del jazz como en cualquier otra faceta de la sociedad. Y, al igual que en esas otras facetas, se han vuelto cada vez más difíciles de pasar por alto. Es más, la gente del jazz cada vez menos desear pasarlos por alto.

“Todo está saliendo a la superficie ahora: finalmente todos están interesados ​​en nuestro campo”, dice Carrington. “Con #MeToo y #TimesUp, y luego todo el ajuste de cuentas racial que ocurrió en 2020, parece que todos salieron de su sueño. Y creo que eso es algo grandioso, y la gente está encontrando su camino”.

Incluso si los acontecimientos actuales de alguna manera no mueven la conciencia de uno, argumenta el coordinador de la banda de laboratorio de la Universidad del Norte de Texas, Alan Baylock, la música en sí misma a menudo lo hace. “Todo el mundo quiere que la música esté al más alto nivel posible”, afirma. “Y equilibrar la escala, eliminando la dominación masculina blanca, tiene un efecto positivo: mejora la música. Hace que la experiencia de hacer música sea mejor”.

Sin embargo, aunque eso hace que la participación en estos temas sea más crucial, no hace que la participación sea más fácil de vender o lograr. Gran parte de la academia y una parte no pequeña de la industria de la música está diseñada para proteger y reforzar el statu quo. Lograr el cambio, ya sea en el salón de clases o en el quiosco de música, requiere enfrentar fuertes vientos en contra.

Aún así, los problemas de prejuicio, discriminación y equidad racial y de género no van a desaparecer. En todo caso, solo serán objeto de un mayor escrutinio a medida que pase el tiempo. Este artículo ofrece algunas “mejores prácticas” para explorarlas y tratarlas como educador con estudiantes, pero también como artista con una audiencia. Ya hemos discutido la primera de esas prácticas: estar presente y estar listo. Aquí hay algunos más.

Conozca la historia real y enséñela.

Parece fundamental, ¿no? No existe música en el vacío. No deberías enseñar polifonía gregoriana o música cortesana de Bach sin un contexto religioso, político y social, entonces, ¿por qué lo harías con el jazz? “Tienes que saber de qué estás tocando”, dice la violinista Regina Carter, quien enseña tanto en la Escuela de Música de Manhattan como en la Universidad de la Ciudad de Nueva Jersey. “Por lo general empiezo con el blues, las llamadas de campo, los gritos de campo. Para muchos de ellos puede que no resuene, pero al menos tienen la historia y pueden entender por qué la música suena como lo hace. Es un grito.

Esto es especialmente importante para el jazz. Casi todos los conservatorios y departamentos de música requieren cursos de historia de la música. Pero estos suelen estar sesgados hacia la historia de la música occidental (es decir, europea).

“Cuando llegué a Harvard, fue como, ‘Toma estos seis semestres de teoría de la música occidental, estos cuatro semestres de historia de la música occidental, y tal vez entonces te habrás ganado el derecho a estudiar otra cosa’”, recuerda Iyer. “Fue más que conservador, era básicamente un plan de estudios supremacista blanco”.

Dicho esto, la historia en sí misma no es solo un contexto para la música: tiene su propio contexto.

Carter, cuyo actual proyecto musical Ido en una frase de aire explora cómo las carreteras y otros desarrollos urbanos han desplazado históricamente a las comunidades afroamericanas, recuerda que cuando era estudiante “odiaba la historia. Y cuando miro hacia atrás, siento que hubiera sido más fácil si todos mis sujetos se alinearan. Si lo que estaba aprendiendo en la clase de historia se alineaba con lo que estaba aprendiendo en música, con lo que estaba aprendiendo en otros lugares, si todo tuviera una conexión”. Ido en una frase de aire la vuelve a colocar en el asiento del estudiante de historia, y ahora la encuentra convirtiéndose en una especie de maestra para una audiencia, aunque trabaja para mitigar eso. “Realmente me hizo pensar: ‘Está bien, ¿cómo puedo lidiar con algunas de las cosas que están sucediendo en este país sin sentir que estoy dando una conferencia a alguien?’ para que las personas puedan manejar la información y hablar sobre qué hacer en el futuro”.

Como bien sabe Carter, la historia que rodea al jazz, tanto de la música en sí como de los afroamericanos, ha sido desinfectada y editada selectivamente durante décadas. Esto no hace ningún favor a los estudiantes ni a la música. En particular, la historia del jazz presenta una profunda eliminación de las mujeres y su importancia para la música, como descubrió Iyer cuando impartió una clase que encuestó a seis compositores/pianistas diferentes: Lil Hardin Armstrong, Hazel Scott, Mary Lou Williams, Nina Simone, Alice Coltrane. y Geri Allen.

“Tuve estudiantes que en realidad estaban visceralmente enojados porque nunca habían escuchado [Mary Lou Williams’ album] Cristo Negro de los Andes,» él dice. “Salió casi al mismo tiempo que Tipo de azul y Pasos gigantes. Debería haberse convertido en un clásico del orden de esos otros discos, pero no fue así. ¿Entonces por qué no? Descubrimos que la historia que nos han contado sobre esta música es incorrecta. Es profundamente incompleto. Esas mujeres podrían y deberían ser vistas como la columna vertebral de la música del siglo XX”.

Carrington ha dado un paso ambicioso para corregir esa historia. Este año publicó Nuevos estándares, una colección de 101 composiciones, cada una de una compositora diferente. “A Berklee Press le gustó la idea desde el principio, pero luego la pregunta era por qué tantos, y son ¿Realmente hay tantos compositores de calidad? recuerda Carrington. “Y yo digo, ¿estás bromeando? Entonces estaba aún más motivado para asegurarme de que hubiera mucho. ¡Cien ni siquiera es tanto! Muchos otros no tuvieron ningún problema en decirme que se sentían excluidos”.

“Lo que Terri Lyne acaba de hacer con esas 101 partituras es una de las mejores ideas que nadie en el mundo haya tenido jamás”, dice efusivamente la pianista Monika Herzig, que enseña en la Universidad de Indiana (y cuyo trabajo se incluye en Nuevos estándares). “De hecho, la vi ayer y tuve que darle un gran abrazo”.

“Si los estudiantes no se ven reflejados en nuestro plan de estudios, ¿por qué deberían venir a nosotros?” –Vijay Iyer, Universidad de Harvard

Los recursos son más abundantes de lo que piensas. Pero donde faltan, crea los tuyos propios.

El proyecto de Carrington muestra la verdad de ambas partes de esta práctica. No faltaron las grandes listas de éxitos de jazz de mujeres compositoras; tuvo más problemas para limitar el número que para alcanzarlo. Pero el punto era que no había disponibles colecciones de su musica Habiendo reunido los recursos existentes, los usó para crear uno nuevo, que ya ha aportado una nueva visibilidad significativa al material que ella reunió.

Sin embargo, ese no es su único recurso de creación propia. El Instituto de Jazz y Justicia de Género es un activo notable. “Existe lo que nuestros estudiantes llaman la cultura ‘jazz bro’”, dice, refiriéndose a la atmósfera despiadada e impulsada por la testosterona del “club de chicos” que ha dominado durante mucho tiempo la música. “Es omnipresente, y es lo que ha sido la clase dominante del jazz durante tanto tiempo, pero está ocurriendo una especie de revolución porque decimos, ‘¡Oh, no, hemos terminado con esto!’ Todos tenemos que vivir y trabajar juntos.

“Así que comenzamos el instituto para brindar un espacio en el que las mujeres pudieran estudiar sin las cargas adicionales a las que no se enfrentan sus homólogos masculinos. Dicho esto, nuestro instituto probablemente esté entre 50 y 50 en cuanto a género. También tenemos algunos músicos no binarios y trans. Pero los jóvenes que vienen a nuestro instituto, en la mayoría de los casos están cansados ​​de la masculinidad que impera en el ambiente del jazz. No quieren tener que realizarlo, por lo que aparentemente se sienten aliviados”. Y el instituto es más que un entorno de aula: se asocia con organizaciones externas para iniciativas como Next Jazz Legacy (copatrocinado con New Music USA), un programa que brinda subvenciones y tutorías profesionales para músicos de jazz femeninos y no binarios.

Baylock y UNT están siguiendo su ejemplo. La escuela tiene su propio programa dirigido por estudiantes, la Iniciativa Jazz y Equidad de Género, que está diseñado para educar y apoyar a las personas y crear y educar aliados. En colaboración con la pianista/compositora Annie Booth, Baylock ha estado construyendo su propia reserva de partituras principales, enfocándose en arreglos de big band donde Carrington se enfocó en combos. “En nuestra biblioteca de jazz en el norte de Texas, tenemos miles de listas de grandes bandas, pero solo un par de docenas escritas por mujeres”, dice. “Eso nos animó a Annie ya mí a crear esta editorial, Brava Jazz Publishing. Pensé que sería genial tener una ventanilla única. Y no solo se trata de cosas que ya están publicadas, sino que también encargaremos nuevos trabajos”.

En Indiana, a Herzig también le apasiona ampliar el espacio para las mujeres en el jazz. Sin embargo, su principal preocupación son las propias mujeres. Hay varios aspectos de esa preocupación (muchos de los cuales se exploran en su libro coeditado, El compañero de Routledge para el jazz y el género), pero una le atrajo particularmente: es necesario que haya más modelos a seguir a los que las niñas y mujeres jóvenes puedan acceder y emular. De ahí su creación de Sheroes, un conjunto femenino de nueve piezas que lanzó un álbum homónimo en 2018. Puedes ver que hay gente haciendo esto. Hay mujeres tocando jazz a un nivel realmente alto’”.

En el caso de Herzig, ella puede reclamar cierta influencia real. Desde entonces, la pianista Renee Rosnes ha creado una banda similar pero de mayor perfil (es decir, firmó con Blue Note Records) llamada Artemis. Herzig siente que no es una coincidencia que Artemis comparta a la trompetista Ingrid Jensen con Sheroes. “Quiero reclamar mi espacio para decir: ‘¡Artemisa se formó a partir de nuestro modelo!’”, dice. “Ingrid era parte de mi grupo, ¡y la gente comenzó a prestar atención!”

De los educadores entrevistados para este artículo, Iyer probablemente tenga el mayor acceso a los recursos, en el sentido convencional del término: Harvard tiene una dotación de $53 mil millones, la más grande del mundo. Sin embargo, creó el suyo propio: un plan de estudios completo, Práctica creativa e investigación crítica (CPCI). “Es una combinación de cursos de creación musical y más cursos académicos a nivel de pregrado y posgrado”, dice. “Ha habido una gran cantidad de tutoría individual de proyectos”.

En esa capacidad, Iyer no se identifica como un «educador de jazz». Su interés es más amplio y más difícil de definir. Doctorado de CPCI El programa, que acepta un estudiante nuevo por año, también incluye a los miembros de la facultad esperanza spalding y Yosvany Terry, y alienta a los músicos a incorporar clases más académicas e interdisciplinarias en su aprendizaje. Por ejemplo, su participante más reciente, el pianista Fabián Almazán, actualmente está estudiando justicia climática.

“Facilitamos cosas como esa, de modo que no solo estarían incursionando, sino que estarían a la vanguardia de la investigación en estas diferentes disciplinas”, dice Iyer. “Podemos ampliar la huella de lo que es un artista”.

Habrá retroceso. Prepárate para enfrentarlo.

La resistencia a este tipo de iniciativas parece estar siempre presente. A veces, como en el caso de Iyer, está activo. La única razón por la que existe su programa CPCI es por la resistencia que encontró en Harvard: Iyer originalmente solicitó un puesto en composición musical, solo para descubrir que los otros compositores (clásicos) eran las únicas personas en el departamento que no apoyaban su contratación. Eventualmente fue llevado a una posición indefinida, «en libertad».

“Eso fue exclusión eurocéntrica, eso es lo que fue”, dice. “He construido mi propia presencia allí, y ahora se ha convertido en una presencia muy colectiva, no soy solo yo. Pero fue en el contexto de la exclusión. Ha existido todo el tiempo, y hemos tenido que encontrar una manera de meternos con calzador en la cultura del departamento de música allí. Han tardado en comprender quiénes y qué somos”.

Habiéndose abierto camino a través de esa resistencia, Iyer ahora reacciona quitándosela a sí mismo. «Ese no es mi problema. Eso es de ellos”, dice. “Lo que me interesa es cómo puedo ayudar a estos increíbles artistas a ser más y hacer más, y cómo puedo apoyar sus viajes. Y como educador, eso es lo que estoy tratando de hacer”.

La resistencia que ha encontrado Herzig tiene más que ver con el miedo a correr riesgos. A nivel institucional, eso significa directores de profesores que no están dispuestos a contratar fuera de sus propias redes. De ahí que la escasez histórica de mujeres en esas redes se perpetúe, no creando nuevas oportunidades. “Cuando tomas decisiones de contratación, tienes que salir de tu zona de confort”, dice. “A menudo, el rechazo es ‘No estamos recibiendo suficientes solicitantes’ o ‘los solicitantes no están al mismo nivel’. pero cada vez yo recibo un aviso que dice que alguien está contratando y llamo a mi círculo de amigos que dicen: ‘Solicite aquí’, de repente, el grupo de mujeres solicitantes se vuelve más grande».

En el nivel de actuación, ella ve una aversión al riesgo similar: la audiencia de los conciertos de Sheroes se ve diferente de las multitudes habituales de los clubes de jazz, con más mujeres y menos asiduos del hardcore. “Eso preocupa a los presentadores. Aunque construirás una nueva audiencia y una audiencia diferente, ¡al final necesitarás a los incondicionales! No puedes asustarlos”. Como resultado, los clubes contratarán bandas como Sheroes una vez al año, y más a menudo será un acto de alto perfil como Artemis.

La respuesta de Herzig es simplemente seguir adelante. “No tocamos en ninguno de los festivales realmente grandes”, dice sobre Sheroes. “Hicimos algunos de los clubes geniales y tal vez no conseguimos a todos los miembros de la audiencia de inmediato que se esperaban, que podríamos ser solo nosotros en nuestra primera vez. Es un trabajo duro, pero no me quejo; hicimos algunas cosas realmente geniales”. También usa sus redes para ampliar las de sus colegas académicos y los empuja a arriesgarse con alguien que no conocen. Esto último, al menos, dice que está dando sus frutos: “En este momento es realmente emocionante participar en la contratación de muchas jugadoras jóvenes, recién salidas de su doctorado. Ahí es donde vemos el cambio”.

Baylock, por otro lado, acepta el retroceso como un efecto secundario inevitable de los cambios que defiende, y ha hecho las paces con eso. En 2020, formó parte de la decisión de UNT de cambiar el nombre de Kenton Hall, su lugar principal de ensayo y recitales, en respuesta a las acusaciones de que su homónimo (líder de la banda Stan Kenton) había hecho comentarios racistas y agredido sexualmente a su hija. Kenton es una figura destacada en la historia del jazz de la UNT, ya que donó toda su biblioteca a la escuela; quitar su nombre del salón iba a causar una gran consternación entre los donantes y ex alumnos.

La escuela lo hizo de todos modos. Algunos ex alumnos retiraron su apoyo y criticaron públicamente la medida. “Ese es un dolor creciente allí mismo”, dice Baylock. “Si perdemos el apoyo de algún alumbre, está bien. Porque hay una imagen más grande. Por supuesto, nuestra historia se trata de más de una o dos personas. Así que la forma en que me sentí fue, ¡vale la pena! Porque sentimos que estamos haciendo lo correcto y necesitamos hacer que las cosas avancen”.

“Equilibrar la balanza, eliminar la dominación masculina blanca, tiene un efecto positivo: mejora la música”. –Alan Baylock, Universidad del Norte de Texas

No trate de subcontratar el trabajo.

Casi todos los interesados ​​en estos temas, dentro y fuera de la academia, cantan las alabanzas de Terri Lyne Carrington por su trabajo. (Iyer llama es “enormemente transformadora”.) Tanto es así, de hecho, que otras instituciones le piden con frecuencia que visite sus campus, dé conferencias o haga Zoom con sus profesores y les diga cómo hacer lo que está haciendo.

Consultar a los expertos siempre es un buen comienzo. Pero, advierte, a veces parece que estas otras instituciones piensan que eso es suficiente.

“No puedes abordarlo simplemente trayendo a alguien como yo a pasar la semana”, dice Carrington. «¡Tienes que estudiar! ¡Tienes que leer! ¡Tienes que investigar! Y creo que muchas personas simplemente están ocupadas y no necesariamente quieren tomarse ese tiempo extra; es más fácil traer a algunas personas a sus escuelas sin hacer realmente la investigación. Pero lo he estado investigando yo mismo durante cinco años y medio. Y todavía no soy un estudioso de esto. Entonces, si yo, que es un apasionado de este tema, si yoTodavía estoy aprendiendo y estudiando después de cinco años, no hay una solución rápida. Pedirnos que hagamos este trabajo para otras personas es solo agregar más trabajar con nosotros.”

Sin embargo, más que eso, Carrington advierte que el compromiso real requiere un deseo real y un compromiso real. “Yo siempre digo, ‘No necesitas que te digamos qué hacer. Solo tienes que mirar dentro de ti mismo y divorciarte de las «clases dominantes» en el jazz. Ya sabes las respuestas.

“No creo que se espere que nadie sepa todo o que haga todo correctamente”, añade. “Pero sí creo que es un momento en el que tienes que decidir cuál es tu posición. Tienes que decidir realmente si te preocupas lo suficiente por tus semejantes como para hacer algunos cambios. O, en nuestro caso, si te preocupas por la música lo suficiente como para que tenga el mayor potencial para desarrollarse. Muchas personas nos buscan como líderes para esto, pero no podemos hacer todo para todos”.