Elige tu propia aventura (musical) [part 1/2] ~ El Colectivo de Jazz Libre

A la entrada del Berliner Festspiele. Foto del feed de Facebook de Jazzfest Berlin.

Por Paul Acquaro

¿Recuerdas la serie de libros ‘Elige tu propia aventura’? Estos libros eran una historia con muchos hilos, y al final de cada capítulo te preguntaban qué debías hacer a continuación, y luego te saltabas la historia, viendo a dónde te llevaba el hilo que elegiste.

La 59.ª edición de Jazzfest Berlin, un evento multiproceso con conciertos celebrados en varios lugares, a menudo simultáneamente, parecía ofrecer algo similar. El concierto de apertura se llevó a cabo el 30 de octubre en el centro de música clásica Pierre Boulez Saal, ubicado en el centro de Berlín y cerró una semana después, a cinco kilómetros de distancia, en el Berliner Festspiele en Charlottenberg, el centro de la antigua Berlín Occidental.

Antes del primer concierto del festival, el pianista británico Alexander Hawkins moderó una charla inaugural con los programadores del festival en la que se empezaron a materializar los temas del festival. Hawkin no permitió que el panel, compuesto por Deventer, el director del Berliner Festspiele Matthew Pees, el curador de música improvisada y jazz de Boulez Hall, Piotr Turkiewicz, y el director de Boulez Hall, Ole Bækhøj, dieran respuestas fáciles. Al preguntar cómo se hace propio un festival, así como qué tipo de impacto podría tener la guerra en curso, no muy lejana, el panel habló de la importancia de construir redes y conexiones con la comunidad local, además de estar dispuesto a ampliar la visión de lo que puede ofrecer un festival. Este año, el festival incluyó hilos en honor al influyente sello discográfico FMP con sede en Berlín, exaltando la música de la fértil escena de Chicago y arrojando luz sobre la música folclórica de Europa del Este, junto con algunos conciertos demasiado buenos para dejarlos pasar.

De hecho, en sus comentarios de clausura antes de que la magnífica Orquesta Supersónica improvisara cerrara el festival una semana después, Deventer comentó que durante la semana pasada, hubo más de 150 músicos de 25 países representando 43 proyectos diferentes. Por lo tanto, la programación rica y multifacética de la semana presentó a los asistentes la oportunidad de elegir sus propias aventuras musicales.

Volvamos ahora al principio en Boulez Saal. La primera mitad del concierto de la noche estuvo a cargo de alexander hawkins con la vocalista Sophia Jernberg en un dúo al que llaman «Musho», en el que exploran la música folclórica tradicional de Etiopía, Suecia y Armenia. Jernberg navegó hábilmente por las melodías, independientemente del idioma, mientras que Hawkins proporcionó escenarios reinventados sofisticados basados ​​en el jazz y la música clásica para las canciones. El segundo set contó con el elenco estelar de Hawkins con Jernberg, la violonchelista Tomeka Reid, la flautista Nicole Mitchell, el baterista Gerry Hemingway y el tocadiscos Matthew Wright. fue un proyecto encargado por Boulez Saal. Profundamente reverentes al music-hall clásico en sí mismo, y al legado de la nueva música, las tres piezas extendidas de Hawkins fueron pacientemente desplegando collages tonales.

La segunda noche de apertura, el jueves 3 de noviembre, encontró a las festividades regresando a su hogar tradicional en el Berliner Festspiele, después de dos años en el espacio de arte Silent Green mientras se realizaban renovaciones en los edificios del Berliner Festspiele. La noche, como las demás que se avecinaban, contó con un conjunto transversal de espectáculos a cargo de un elenco de artistas internacionales. En la sala principal, la violonchelista de Chicago Tomeka Reid presentó un estreno de un cuarteto de cuerdas que revisó la obra de música de cámara del saxofonista y compositor Julius Hemphill. Lanzada recientemente en el box set Julius Hemphill (1938 – 1995): The Boyé Multi-national Crusade for Harmony, la pieza misma usó la música de Charles Mingus para tejer un seductor conjunto de música de cuerdas. El cuarteto incluía a Reid al violonchelo, Sam Bardfeld al violín, Curtis Stewart también al violín y Stephanie Griffin a la viola.

Tomeka Reid. Foto (c) Camille Blake / Berliner Festspiele

La actuación en sí fue seductora, un homenaje a un homenaje, y una delicada combinación de géneros clásicos y de jazz compuestos con mucho espacio para la improvisación. El grupo comenzó con una fuerte línea sincopada de Reid, una especie de tropo para los diversos movimientos, con los que los demás podían jugar. Un solo de violín ligeramente chirriante fue un rápido recordatorio de que no se trataba de una pieza clásica típica y, después de un rato, la música comenzó a adoptar más vocabulario de jazz, incluso un poco de folk de los Apalaches encontró su camino. El primer solo de Reid fue un giro alegre de la melodía, y en general, la música tenía un efecto de balancín. Las otras piezas siguieron su ejemplo, la siguiente comenzó con una sensación de bucle fuera de lugar, y después de la introducción del tema principal, el grupo se inclinó hacia las disonancias y tiró de diferentes maneras. Si bien algunos momentos se sintieron un poco vacilantes, cuando el grupo llegó al tema final, el famoso ‘Better Git Hit in our Soul’ de Mingus, el potencial de esta fusión musical alcanzó su punto máximo.

El ‘Turiya’ de Hamid Drake. Foto (c) Camille Blake / Berliner Festspiele

percusionista de chicago Hamid Drake‘Turiya’ fue un sentido tributo a la música y la espiritualidad de Alice Coltrane. Aparte de su matrimonio con John Coltrane, el propio trabajo de Alice Coltrane como música y compositora ha llamado la atención en los últimos años y parece estar en marcha una reexploración de su música; de hecho, echa un vistazo a este rasgo del New York Times del mes pasado.

El septeto de Drake incluía, además de él mismo, al flautista Naïssam Jalal, la trompetista Sheila Maurice-Grey, el mago de la electrónica Jan Bang, el teclista Jamie Saft, el percusionista/vibrafonista Pasquale Mirra y el bajista Joshua Abrams, un grupo muy capaz de sondear las profundidades de la música de Coltrane. música. El grupo comenzó, primero la trompeta, seguida de cerca por un suave goteo de notas del piano, luego, lentamente, una serie caleidoscópica de sonidos brotó de todos. Una figura del bajo inclinado atravesó la neblina musical, solo para ser puntuada con un repentino chisporroteo de electrónica. Cuando Drake finalmente se unió a su batería, una estructura sónica más perceptible comenzó a ensamblarse a su alrededor. Un zumbido pulsante, un vibráfono sonando, pronto el piano y el bajo comenzaron a perfilar las formas de los acordes, lo que llevó a un solo de batería polirrítmico, que fue capturado y reflejado por la electrónica. La canción dio paso a uno de los clásicos de Coltrane (posiblemente ‘Ptah The El Daoud’), la trompeta hizo un solo sobre un conjunto de acordes astutos y el órgano Hammond de Saft agregó aún más textura. Las palabras cantadas en sánscrito se sumaron a la imagen tonal cinematográfica general que emanaba del escenario.

Luego, Drake, que salió de detrás de la batería y se sentó con un gran tambor de mano, comenzó una recitación en honor a Alice Coltrane, que condujo a contarle a la audiencia lo que Alice Coltrane había significado para él cuando era adolescente en Chicago. Su aliento fue fundamental para que Drake se dedicara a ser artista. Tras el homenaje de Drake, el grupo se lanzó a una emocionante interpretación de la majestuosa ‘Journey In Satchidananda’ de Coltrane.

Métodos de intercepción de Craig Taborn. Foto (c) Camille Blake / Berliner Festspiele

pianista de Nueva York craig tabornSiguió el estreno de «Intercept Methods». El cuarteto, junto con Taborn, estaba formado por Mat Maneri en viola, Nick Dunston en bajo y electrónica y Sofia Borges en percusión y electrónica. Comenzando con un golpe fuerte, la música se desvaneció rápidamente en notas revoloteantes y un tamborileo de percusión. Dunston pronto dejó el bajo y pasó a la electrónica, mientras que Maneri y Taborn intercambiaron fragmentos de sonido ligeramente entrelazados. Eventualmente fusionándose en un profundo pantano de sonido, el grupo tomó un tempo y Dunston, de nuevo en el bajo, comenzó a hacer reverencias enérgicamente mientras Borges se inclinaba en un patrón enfocado en su batería. Sin embargo, tales arrebatos parecían ser seguidos por fases largas e introvertidas saturadas de drones electrónicos, a veces abrasivos. El grupo era prometedor, pero quizás un poco perdido en el cavernoso Festspiele Halle.

Como se ha mencionado, uno de los hilos conductores de este festival fue el guiño al espíritu de FMP con las actuaciones en las distintas noches y escenarios del saxofonista Peter Brötzmann (quien también recibió el Ehrenpreis der Deutschen Schallplattenkritik durante el festival), el percusionista Sven-Aki Johansson (quien dirigió un grupo tocando extintores), así como los actuales portadores de la llama representados por proyectos de los bajistas con base en Berlín Joel Grip y Antonio Borgini.

Salimos del Berliner Festspiele bastante temprano – pensamos – para asegurarnos de tener un buen espacio en el legendario club Quasimodo, a pocas cuadras de distancia. El club fue la cuna de los Total Music Meetings de la FMP, que en sí fue una reacción organizada por Brotzmann y Jost Gebers de FMP al festival de Jazz de Berlín en 1968 cuando era un evento mucho más sofocante. Además del lugar, el tema fue aún más profundo con el pianista Alex von Schlippenbach (cuya propia historia está profundamente entrelazada con FMP) que apareció con el saxofonista portugués.
rodrigo amado, el bajista Ingebrigt Håker Flaten y el baterista Gerry Hemmingway. El grupo, The Bridge, era un proyecto nuevo y, conociendo a todos los artistas involucrados, esperábamos algo especial.

‘El puente’ de Rodrigo Amado. Foto (c) Cristina Marx/ Berliner Festspiele