DUOS2022 ~ El Colectivo de Jazz Libre

Biliana Voutchkova. Foto (c) Fotomusix/Cristina Marx

Para aquellos de ustedes curiosos sobre el boletín de la Serie Armónica, hay una sesión de preguntas y respuestas con Keith a continuación.

¡Disfrutar!

Biliana Voutchkova y Joanna Mattrey- como pensamientos que vienen
(Tono relativo, 2022)

Por Nick Ostrum

En como pensamientos que vienen, Biliana Voutchkova (aquí en grabaciones de campo y violín) se une a Joanna Mattrey en viola. Habiendo escuchado por primera vez a Voutchkova en el tono largo Para Biliana y el sorprendentemente ocupado aunque todavía subestimado Ladrillos blancos y mudos de madera, esperaba algo más gradual y más en la línea de los sonidos clásicos contemporáneos. En ese sentido, saludos a Voutchkova y sus colaboradores por continuar superando los límites y desafiando mis suposiciones.

como pensamientos que vienen
sigue siendo tranquilo y sutil. Es simplemente de una estética diferente y más áspera que algunos de sus otros trabajos. Voutchkova y Mattrey tejen líneas huecas de madera sobre fondos de maullidos de gatos, sonidos de pájaros y otros susurros y silbidos. (Approach Memory y Of Birds son dos ejemplos). Los elementos se combinan a la perfección. En lugar de música interpretada sobre grabaciones de campo, las cuerdas estriadas emergen de ese ambiente ambiental, y los micrófonos colocados muy cerca capturan la viola y el violín de tal manera que parecen sangrar hacia atrás en los chirridos, chirridos y susurros del ambiente. En resumen, esto suena completo, lo cual es un logro notable dado lo silencioso y maravillosamente irregular que es gran parte de esta interpretación.

como pensamientos que vienen
está disponible como descarga a través de Bandcamp:

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Biliana Voutchkova y Michael Zerang- Las figurillas de esmeralda
(Tono relativo, 2022)

Por Nick Ostrum

Las figurillas de esmeralda
presenta al decano de la percusión de Chicago, Michael Zerang y Voutchkova. Zerang, por supuesto, ha recorrido varios estilos de vanguardia en numerosas ocasiones a lo largo de su carrera. En esto, reconoce los reinos fuertemente abstractos que ha estado persiguiendo, por ejemplo, en Uruk.

, aunque con un poco más de entusiasmo o menos moderación. Lo notable de este lanzamiento es la forma en que el estilo rasposo y fuertemente percusivo de Voutchkova se mezcla con el golpeteo de Zerang, pero con, como el título lo indica, un brillo. Voutchkova y Zerang parecen tener ideas afines en esta sesión, ocupando con frecuencia el mismo espacio mientras se abstienen notablemente de competir por ser escuchados. Más bien, se entrelazan orgánicamente en una serie de piezas que evocan un edificio antiguo azotado en una noche ventosa. El viento aúlla a través de sus huecos, aprieta la madera deforme hasta que cruje, suena musicalmente en las tuberías oxidadas y llena el aire con su propia tormenta de sonidos. Rasguños de metal sueltos y máquinas viejas ronronean irregularmente. Las bisagras sueltas chirrían como si fueran campanillas. Golpeteo metálico de lluvia sobre una superficie irregular. Al final de una pista, Voutchkova aporta extraños pasajes de labiales, fricativas y gruñidos inescrutables. Esto es mucho para una música tan discreta, y todo de solo dos (maestros) músicos. Las figurillas de esmeralda es desconcertante pero profundamente interesante, y crece más con cada escucha repetida.

Las figurillas de esmeralda
está disponible como descarga desde Bandcamp:

Biliana Voutchkova y Susan Satos Silva – bagra (Tono relativo, 2022)

Biliana Voutchkova y Leila Bourdreil – La Séptima Agua (Tono relativo, 2022)

Hace años, cuando me estaba iniciando en el jazz, conducía a través de la ciudad de Charlotte, Carolina del Norte, en hora punta escuchando Cornbread de Lee Morgan y juro que encendí todos los semáforos entre aquí y allá, unas seis o siete intersecciones separadas lo suficiente como para hacerlas lo más densas posible. y resbaladizo como Mercurio. Y durante mucho tiempo esa fue mi prueba de fuego de un álbum: ¿qué tan bien sonaba en un viaje por la ciudad? ¿Hizo que toda esa estática se desdibujara?

Soy mucho más joven que eso ahora y escuché bagra y la séptima agua, dos grabaciones de Biliana Voutchkova junto con un músico afín, mientras paseaba a mis perros en las frescas mañanas de principios de otoño. Funcionó igualmente bien. Cada álbum es un documento auditivo sólido y afirmativo de artistas intrépidos y conmovedores que tocan música idiosincrásica que estira el tiempo y juega con las sonoridades.

bagra
cuenta con el dúo de Biliana Voutchkova y Susan Santos Silva en violín, voz, piano, percusión, intercambio de objetos, tonos, sonidos y espíritu.

Como explica Voutchkova en las notas, “La grabación de Bagra se hizo de una vez. Fue profundamente placentero estar en un estado de sinergia completamente circulante, profunda comprensión y liberación. Las dos pistas largas del álbum son las primeras que tocamos, lanzadas sin ningún tipo de edición. Y así es exactamente como suena, los dos dejándose llevar en vivo en el estudio.

Los paisajes sonoros creados juntos me llevan a una nueva zona de exploración, a un mundo de exuberantes y ricos timbres sonoros de cuerdas llenos de color y matices espectrales, donde la música y el ruido coexisten felizmente como puro sonido luminoso.

Voutchkova combina su violín con el violonchelo de Leila Bordreuil en La Séptima Agua. Esta grabación tiene el doble de canciones pero menos tiempo. La menor cantidad de instrumentos y el menor tiempo no importan un poco y solo ejemplifican el espíritu de cuerpo de Voutchkova en general.

Música como esta no siempre es fácil. La forma en que burbujea y revolotea, eructa y arranca puede hacer que uno revise la batería del detector de humo, ya sabes, te hace escuchar cosas. Pero ese es uno de sus puntos fuertes y, desde luego, no sólo uno de sus muchos rasgos.

Nunca deja de sorprenderme cuando los artistas usan sus medios, instrumentos o recursos para trascenderlos al entregar una promesa estética. Biliana Voutchkova es una artista profunda que juega bien con otras personas de ideas afines. Las simbiosis de estas grabaciones lo hacen sorprendentemente obvio.

Biliana Voutchkova y Tomeka Reid – Bricolage III (Relative Pitch, 2022)

Por Paul Acquaro

Esta edición de la serie DUOS2022 de la violinista Biliana Voutchkova, un conjunto creciente de lanzamientos digitales de Relative Pitch Records, es una colaboración con la violonchelista de Chicago Tomeka Reid. Reunidos por primera vez en el mundo virtual para la serie Bricolage apoyada por el Goethe-Institut Chicago, por los curadores Magda Mayas (Berlín) y Dave Rempis (Chicago), este encuentro luego se convirtió en otra actuación virtual en Reid’s Chicago Jazz String Summit y finalmente en un in- actuación en persona en el DARA String Festival de Voutchkova en Berlín.

El resultado final de estas reuniones es Bricolaje III, una cooperación etérea y visceral, completa con un video adjunto de Voutchkova que expresa un lado visual del trabajo del dúo. De hecho, el video es un festín visual de texturas monocromáticas y coloridas, y movimiento que sigue el flujo de la música. En la primera sección de la película, un árbol desgarrado de cerca bark revela una topografía intrincada que parece que podría funcionar como una partitura gráfica para los músicos con timbres terrosos y amaderados. Más tarde, las imágenes de las manos de los dos músicos, en poses que se mueven lentamente, brindan otras imágenes a la música. La segunda parte de la película comienza con el primer plano de las flores, ahora a todo color, presagiando un retorno a la imaginería de la mano. La música en esta sección está sobre una figura oscura y seductora de Reid, con Voutchkova adornándola con sonoridades ásperas (tituladas ‘For give’ en la grabación).

En la grabación, las pistas se titulan «Para mostrar», «Para recibir» y «Para dar», de las cuales capturan de manera cautivadora la fricción, las tensiones y las liberaciones que genera la sinergia de los dos músicos. La música está llena de líneas arremolinadas, rasguños y texturas de percusión, y una interpretación profundamente empática.

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Preguntas y respuestas con Keith Prosk

FJB: Cuéntanos sobre tu newsletter Serie armónica¿cómo decidiste empezarlo?

Keith Prosk: ¡Creo que empecé por varias razones! Realmente disfruto contribuir con The Free Jazz Collective, pero quería sentirme más cómodo escribiendo sobre música que no tiene un pie en el jazz o que se entiende que se inclina hacia la improvisación; el boletín todavía incluye mucho de ese tipo de música, es solo una vía para escribir sobre otras cosas también. Y tuve dificultades para poner mi pie en la puerta de otras publicaciones y podría tener algunos pensamientos fuertes sobre la escritura musical, así que decidí comenzar mi propia cosa. Copié el formato del boletín electrónico de Resplandor de tono porque gran parte de la creación de redes en esta música ocurre a través del correo electrónico y pensé que era apropiado. También aprecio las entrevistas crudas y de formato largo de Joshua Minsoo Kim y adopté un enfoque similar para las conversaciones de series armónicas sobre los perfiles típicos cortados con el contexto de un escritor porque personalmente prefiero escucharlo de la boca del caballo, por así decirlo. Están las anotaciones: veo que puedo profundizar en esto en la siguiente pregunta. Y luego están las revisiones, abiertas pero a menudo para grabaciones de música lanzadas recientemente, donde intentamos un compromiso benéfico centrado en la interpretación o decodificación de cómo los parámetros de sonido crean una experiencia sobre la evaluación o los lectores de mano a través del paquete de prensa. Hay mucha variabilidad en las funciones más grandes y más pequeñas, los únicos límites son los de los contribuyentes del boletín, y me complace presentar ensayos o funciones recurrentes sobre sonido en películas, por ejemplo, pero resultó que siempre son entrevistas y notaciones hasta ahora.

FJB: Un enfoque del boletín son las notaciones gráficas, ¿qué te interesa de esto?

KP: Probablemente me atrajo por primera vez la notación no estándar por la novedad de representar el sonido con algo diferente a los símbolos estándar, la posibilidad de que pudiera entender las partituras como alguien que no lee la notación estándar y la rareza de la escritura o la presentación. alrededor de la notación no estándar. Más allá de la característica recurrente en la serie armónica, algunos otros escritos sobre notación no estándar que conozco incluyen: John Cage y Alison Knowles’ Notaciones de 1969 y Notations 21 de Theresa Sauer de 2009 para libros (ambos agotados); periódicos como el de Carl Bergstrøm-Nielsen IM-OSde Ryoko Akama mumeiMagda Mayas & amigos’ grafemao sonido americanocaracterística exquisita del cadáver; y esfuerzos más infrecuentes, incluida la disertación navegable de Christopher Williams Caminos táctilesalgunos escritos de Daniel Barbiero como Partituras Gráficas y Postalfabetización MusicalCasey Anderson y amigos El Anuario de Música Experimentalun número reciente de Bill Dietz & Woody Sullender’s Oreja | Ola | Eventoo el Center for Deep Listening’s Un año de escucha profunda celebrando lo que habría sido el nonagésimo año de Pauline Oliveros compartiendo partituras de texto diariamente. En cantidad, estos esfuerzos son una gota en el océano en comparación con otras palabras relacionadas con la música, pero creo que son importantes por varias razones.

Muchos oyentes suelen acercarse al sonido a través de grabaciones e interpretaciones y, particularmente en el caso de las últimas, puede haber un sesgo en el que una interpretación o realización se considera la forma en que la música debe sonar, mientras que el acceso a la partitura puede iluminar un campo de tensiones interpretativas y realizaciones posibles, especialmente con algo como la forma, el color u otros métodos de transmisión sin un resultado de sonido estándar tradicionalmente asociado con ellos. La experiencia y la creación de sonido son tan amplias que están limitadas por la notación estándar o cualquier sistema, por lo que algo tan nebuloso como todo bajo el sol se adapta a la diversidad de enfoques que los compositores e intérpretes de sonido podrían tener. Del mismo modo, desde una perspectiva pedagógica, creo que es beneficioso demostrar una barrera de entrada baja en la escritura de música que puede permitir un mayor rango de complejidad y puede personalizarse para permanecer más fiel a lo que un compositor, pieza o intérprete quiere transmitir. Como bonificación, las piezas a menudo pueden presentarse como arte visual o poesía por sí mismas. Esto es lo que me viene a la mente por ahora, pero siempre estoy aprendiendo y espero seguir aprendiendo durante algún tiempo porque he descubierto que los practicantes de la notación no estándar son muchos más de lo que esperaba, incluidas muchas personas familiarizadas con los lectores del blog. que podría no estar necesariamente asociado con la composición.

FJB: Hablando ahora del enfoque de nuestra función, ¿cómo descubriste el trabajo de Biliana? ¿Qué disfrutas al respecto?

KP: Música borrosa Es la primera vez que escucho a Biliana. Lo tomé de un foro de música de Alex Tripp, quien dirige el endaural blog, y no recuerdo si me atrajo al reconocer los nombres de Biliana y Michael de Splitter Orchester, cuya lista estaba usando como recurso para comenzar a profundizar en echtzeitmusik en ese momento, o si me interesó la improvisación de Alex. estar en, que el crédito dividido probablemente regaló. Creo que el sonido de Biliana es a menudo la combinación correcta de un enfoque frecuentemente conceptual, texturas expansivas, tiempo fluido y, a menudo, lento, y una dinámica tranquila que tiendo a encontrar cómoda. Siguiendo nuestra conversación, también prefiero escuchar a grupos más pequeños, donde siento que puedo entender mejor la interacción de las contribuciones individuales con la dinámica del grupo, y cosas en serie, donde creo que las variaciones sutiles a lo largo de las iteraciones pueden revelar el núcleo del trabajo. Así que me emocionó saber que Biliana ahora tiene más tiempo para explorar el sonido en series y viajar para presentarlo.