Antonio Sánchez: No tan mal hombre después de todo

Puedo testificar personalmente que Antonio Sánchez, quien adoptó el apodo de “Bad Hombre” hace varios años para un álbum solista de batería y electrónica, es un tipo verdaderamente agradable. En la tarde del Día del Trabajo, Sánchez y Thana Alexa, su esposa y compañera de banda, que habían volado a casa temprano después de tocar en el Festival de Jazz de Detroit la noche anterior, me mostraron una hospitalidad extrema cuando visité su departamento de Jackson Heights, dos semanas después de mi conversación inicial de Zoom. con Sánchez desde la casa de su madre en la Ciudad de México. Luego, en el metro a casa, mi grabadora de voz digital se cayó de mi bolso, el peor temor del periodista. Después de recibir mi texto mortificado, Sánchez inmediatamente ofreció una segunda oportunidad. “Pasan cosas”, dijo durante el maquillaje de Zoom, con un de nada encogimiento de hombros.

Habían estado en Detroit con el cuarteto Bad Hombres y Mujeres de Sánchez, tocando el repertorio de su segundo lanzamiento de Bad Hombre, CAMBIO (Warner Music), un gran espectáculo de batería y voz de 16 pistas en el que reinventa y remezcla canciones aportadas por artistas como Lila Downs, Dave Matthews, Meshell Ndegeocello y Trent Reznor, por nombrar una lista de participantes con puntaje Q alto. . Sánchez contó que Alexa cantó todo, modificando su poderoso y matizado contralto con dobladores de capas armónicas activados por pedales y, al abordar partes escritas por los hombres, octavadores que alteran el tono; el sonido de Big Yuki explorado en teclados y sintetizadores; Lex Sadler cumplió con la función de ritmo en el bajo eléctrico y el bajo del teclado, y maniobró en Ableton Live para manipular las pistas de acompañamiento del álbum para que la banda tocara, así como para abrir secciones para la interacción y los solos.

El baterista/compositor de 51 años se reunió CAMBIO durante el encierro de COVID, usando el estudio de sótano compacto que había organizado para ejecutar comisiones de bandas sonoras de películas después de crear la banda sonora de batería solista ganadora del Grammy para Alejandro Iñárritu hombre pájaro en 2014. El nuevo proyecto se gesta en 2018, cuando Sánchez, recién fichado por Warner tras el primer hombre malo lanzamiento, estaba buscando un concepto nuevo. Mientras estaba en la Ciudad de México, escuchó a Silvana Estrada, una amiga, interpretar el solo “El Agua y la Miel”, acompañándose con un cuatro. La había tocado con ella años antes en el ahora desaparecido 55 Bar de Nueva York.

“Es un tema inquietante, hipnótico y lineal”, dice Sánchez. “Mientras lo hacía Silvana, escuchaba baterías y sintetizadores, diferentes bajos, diferentes armonías, todos estos picos y valles. Decidí pedirle que me dejara ver qué podía hacer. Ella grabó la voz y el cuatro por separado con un metrónomo y me lo envió. Quité el cuatro en algunos lugares y cambié la armonía. Había un montón de instrumentos que había comprado para la partitura de una película tirados por ahí, y comencé a superponer guitarras y mandolinas, y también mucha batería. Después de un mes o dos, se lo envié. Ella me dijo: ‘Nunca pensé que mi melodía podría hacer esto; Nunca imaginé que sería tan épico’”.

Decidió extrapolar este mo a un álbum y comenzó a pensar en artistas a los que podría llegar. En última instancia, Sánchez recopiló canciones de las personas antes mencionadas, así como de una cohorte panlingüe que incluía a Kimbra, MARO, Ana Tijoux, Sonica (un grupo de tres mujeres con Alexa, la cantante Nicole Zuraitis y la bajista Julia Adamy), la propia Alexa y la guitarra. dúo Rodrigo y Gabriela. Cierra el programa con viñetas en las que el eminente actor Ignacio López Tarso, abuelo de Sánchez, hace de maestro de ceremonias, acompañado de un paisaje sonoro callejero de voces y organilla desde una plaza imaginaria de un pueblo, “invitando a todos a entrar y sentarse, abrocharse los cinturones de seguridad y por favor, presten atención al hombre malo, porque tiene muchos secretos para ustedes”.

“Mi discurso a los artistas fue: ‘Me gustaría que me regalaran una canción’”, relató Sánchez. “’Podría ser viejo. Podría ser nuevo. Podría ser un boceto. Puedo trabajar con cualquier cosa que quieras darme. Quería que trabajaran lo menos posible, para que no se sintieran abrumados y no quisieran hacerlo. Dije que la batería y la voz serían los ingredientes principales. Les pedí permiso para reimaginar la canción por completo.

“Yo no quería gente de jazz. Quería gente que escribiera canciones que no son lo que normalmente haría, conceptual, estética, técnica o compositivamente. Crecí escuchando rock, y una cosa divertida de este proyecto ha sido revivir mi amor por la música realmente grande y bien producida que es sónicamente satisfactoria, donde descubres capas de teclados, cuerdas, sintetizadores, guitarras, voces. Por lo general, incluso en estos discos increíblemente bien producidos, una parte de batería ancla todo el asunto. Decidí usar la batería como una herramienta de producción, superponerla como teclados o guitarras, y tener conjuntos de batería con diferentes sonidos provenientes de diferentes áreas del espectro sonoro”.

Como ejemplo, Sánchez hizo referencia a su tratamiento de «Creo que ya superamos eso» por parte de Reznor, a quien conoció en el post-hombre pájaro Ceremonias de los Globos de Oro. “Trent dijo que haría algo nuevo por mí”, dijo Sánchez. “Entró al estudio con [Nine Inch Nails bandmate] Atticus Ross; Unas semanas más tarde, tuve una sesión de Pro Tools con un montón de sus voces y algunos de los sintetizadores de Atticus. Empecé a escuchar este tipo de himno del rock industrial. Mientras editaba y superponía sus voces, pensé que sería genial tener voces de fondo, lo cual hice yo mismo. Y grabé todos los instrumentos: bajos, guitarras y, por supuesto, un montón de batería. Trent se sorprendió cuando escuchó la pista; creo que esperaba algo hombre pájaro-como tambores atmosféricos encima de lo que me envió. Él dijo: ‘Esta es una melodía real. No he dejado de escucharlo. Quiero que te involucres con mi ingeniero de mezclas para que podamos extraer tal vez un 15% más de tu mezcla’”.

Para sorprender a los artistas invitados, “no mak[ing] la canción hace lo obvio que parece que la canción quiere hacer” era una intención central. “Lo vi como alguien que me permitía realizar una cirugía plástica en su bebé”, dijo Sánchez. “Una canción es muy personal; me tocó que me dejaran hacer lo mío. Probablemente pensaron que lo animaría un poco más. Pero eso es lo que no quería hacer, aunque mis años como baterista y compositor de jazz definitivamente influyen e informan el álbum. pienso CAMBIO tiene una cierta sensibilidad y matiz que otros discos de rock o hip-hop no tienen. Quería imprimir eso en esta música, sin dejar de ser sincero y leal a las canciones”.

“Así como quería deshacerme de mi acento cuando hablaba inglés, quería perder mi acento (rock-fusión, o lo que fuera ese acento) cuando estaba tocando jazz o latín o cualquier otra cosa”.

A mitad de nuestro En la segunda conversación, quizás para hacerme sentir más cómoda después de que perdí mi grabadora, Sánchez relató una experiencia que podría servir como un sueño de ansiedad de libro de texto. Lo prologó con un relato de su accidentado primer año en Berklee, donde se matriculó en 1993. Su madre (la hija de Ignacio López Tarso), una historiadora de cine, crítica e intelectual pública altamente educada y mal pagada que crió a la propia Sánchez, exprimió su tarjeta de crédito para su matrícula, luego se endeudó exponencialmente más después de una devaluación del peso. Para colmo de males, le habían robado el coche y había roto con su pareja romántica.

En el norte de Boston, Sánchez, arruinado, solitario, abrumado por los estudios, estaba preocupado por su madre. Durante el primer semestre, mientras tocaba un arsenal de elegantes licks en un kit «descomunal» (bombo de 22″, siete platillos y pedal de contrabajo, para ser precisos) para un conjunto de bebop en «Pent-Up House», el instructor despojó su set en tiempo real, dejándolo con un charles, un bombo, una caja y un platillo ride. Luego lo amonestó a “solo en la forma e intercambiar coros”. “Nadie quería jugar conmigo”, recordó Sánchez. Durante un descanso en la Ciudad de México, le dijo a su madre que quería saltarse el próximo semestre. Ella respondió: “Si te quedas, no creo que pueda ayudarte a regresar dentro de un semestre”.

Sánchez regresó “a regañadientes” a Boston. Inmediatamente después, se «sorprendió» al recibir la beca bianual Buddy Rich Memorial de Berklee, con el mandato de abrir el concierto de becas en el Manhattan Center de Nueva York con un solo de batería, presenciado por su ídolo, Neil Peart de Rush, y una serie de otros » héroes”, quienes más tarde “me felicitaron, me chocaron los cinco y me abrazaron”, un sueño hecho realidad. Siguieron otras becas y Sánchez “empezó a tener pocas oportunidades para jugar aquí y allá”.

Su primera oportunidad de este tipo (el desenlace de la historia) fue un concierto con un cantante polaco “en un centro de convenciones polaco”. Después de instalarse, Sánchez entró al baño para cambiarse y ponerse su esmoquin alquilado y bien planchado. “Empiezo a ponerme la camisa y el traje, y luego, de repente, digo: ‘¿Dónde están los pantalones?’ Era pleno verano y yo estaba en pantalones cortos. yo No podía creer que esto estaba pasando”. El cantante le dijo que moviera la batería a la esquina, que se tapara las piernas y que no se quedara de pie durante todo el concierto, ni siquiera para ir al baño. “Yo estaba como, ‘Sí, por supuesto; lo que haya que hacer, lo haré’”.

Quizás los altibajos de Sánchez durante estos años de formación explican su amable y empática respuesta a mi calamidad. Pero la anécdota también insinúa la prodigiosa ética de trabajo, el intelecto agudo, el enfoque profundo y el talento en bruto que lo catapultó a la cima de la batería de jazz durante la década siguiente.

Al principio, Sánchez aprendió a tocar la batería junto con la colección integral de álbumes de rock de su madre con «sonidos grandes, grandes», que abarcan sargento Pimienta a Led Zeppelin, U2, Pink Floyd y Peter Gabriel. “También crecí escuchando mucha música colombiana y cubana: boleros, dancehalls que solo tocan danzón y cha-chas y salsa, que no habría escuchado en los Estados Unidos”, dice. “Estaba en el fondo. Mi abuelo escuchaba música clásica en el almuerzo cuando vivía con él. Eso también estaba en mi subconsciente”.

El jazz apareció después de que Sánchez viera la película biográfica de Mozart de Milos Forman Amadeo. “Me obsesioné con la idea de un niño prodigio genio”, dice. “Pensé, ‘Quiero ser así; Quiero sentir que puedo hacer algo especial. Quería aprender piano. Quería aprender a escribir música clásica”. En 1988 ingresó al Conservatorio Nacional de México, donde un amigo le regaló un casete del disco de Chick Corea Elektric Band. Años luzcon Dave Weckl en la batería.

“Nunca había escuchado algo así, tan pesado y profundo en comparación con el rock & roll”, dice. “Inmediatamente sentí que pasaba algo que quería aprender. Siempre me gustó improvisar; incluso de niño jugaba durante horas. Ahora, naturalmente, comencé a ir más en la dirección del jazz sin saber realmente de qué se trataba. Toqué Debussy, Satie y Mozart, y analicé partituras: cómo Mozart escribió una sinfonía desarrollando un solo motivo. No me di cuenta hasta más tarde de que podía aplicar todos los elementos del desarrollo de motivos (forma, uso del espacio, repetición, dinámicas extremas) a lo que quería hacer. Una de mis cosas favoritas es hacer solos que pueden durar de 10 minutos a una hora, utilizando todas estas técnicas para profundizar en el aspecto narrativo del instrumento para mantener a la audiencia y a mí mismo comprometidos”.

Una vez en Berklee, Sánchez desarrolló el “síndrome del impostor”, una afección que encendió su deseo de interpretar con precisión los diversos dialectos que encontraría como músico en activo en los Estados Unidos. Con el objetivo de «descubrir por qué el swing suena como suena», tomó lecciones y escuchó a bateristas icónicos recomendados por el instructor que había desmontado su set. A través del alumnado políglota de Berklee, Sánchez asimiló, con meticulosa minuciosidad, los ritmos afrodiaspóricos de Cuba, Brasil, Venezuela, Puerto Rico y Panamá. “En México, había tocado música latina, pero era algo periférico para mí”, dice. “En Berklee, conocí a personas que habían estado haciendo esto cuando eran niños. Estudié congas, un poco de batá, timbales, bongós, cencerros distintos, para ver de dónde venían todas esas partes que tocaban los percusionistas cubanos como Horacio Hernández e Ignacio Berroa”.

A medida que Sánchez absorbía los diversos ritmos, desarrolló su propia poética musical. “Desarrollé lo que solía llamar ‘independencia extrema’, donde una extremidad hacía la clave, mientras que en la parte superior tocaba diferentes claves en diferentes compases y diferentes tempos”, recuerda. «Fue divertido. Lo hice porque quería tocar esa música muy bien. Lo mismo con la música brasileña. Sentí que tenía un fuerte acento tocando todas estas músicas diferentes y, al igual que quería deshacerme de mi acento cuando hablaba inglés, quería perder mi acento (rock-fusión, o lo que fuera ese acento) cuando tocaba jazz. o latín o cualquier otra cosa.”

Michael League, quien está produciendo un próximo álbum en el que Sánchez y el conguero/cantante Pedrito Martínez improvisan y dialogan sobre varios temas afrocubanos-yoruba, opina que Sánchez trascendió esa aspiración. “Cuando enseño o interactúo con estudiantes de música fuera de los Estados Unidos, Antonio, Joe Zawinul y John McLaughlin son los primeros ejemplos que doy de personas que no crecieron en la cultura que dio origen a la música por la que son conocidos. y, sin embargo, han podido integrarse por completo en esa cultura musical y no solo contribuir a ella con autenticidad y fluidez, sino también crear espacio para su propia voz”, dice League. “Por eso la gente los llama. Para mí, Antonio es el libro de texto de cómo hacerlo”.

“Para mí, el jazz de hoy no se trata realmente del sonido del jazz. es libertad Me ha dado una destreza armónica y rítmica que ahora puedo aplicar a cualquier cosa”.

La mañana siguiente nuestra segunda conversación, Sánchez se uniría a la bajista Linda May Han Oh y al pianista Gwilym Simcock—sus compañeros de banda en el CD 2020 de Pat Metheny desde este lugar (Nonesuch): en un estudio de ensayo de Manhattan para prepararse para una gira de tres semanas por el hemisferio sur para cubrir las reservas canceladas por COVID (originalmente programadas para marzo de 2020) en Río de Janeiro, São Paulo, Lima, Santiago, Montevideo, Buenos Aires y Ciudad de México. desde este lugar es el noveno álbum de Sánchez con Metheny desde 2002; entre los otros hay dos ganadores del Grammy con Pat Metheny Group, otros dos en el trío de Metheny con Christian McBride y otros dos con Metheny’s Unity Band.

Cada álbum muestra la propensión de Sánchez, como dice League, «para interactuar sin comprometer de ninguna manera el ritmo». “Primero, tienes que aprender el idioma de Pat, que está completamente influenciado por el jazz y el bebop”, dijo Sánchez. “Pero no estás tocando jazz y bebop. La interacción está totalmente basada en el jazz, pero la entrega es diferente. Mucho de esto, especialmente el Pat Metheny Group, está basado en corcheas muy directas. Creo que se sintió cómodo conmigo porque vengo más de tocar corcheas que de swing. Una vez que tocamos una asombrosa cantidad de conciertos durante años y años, decidió que estaba listo para tomar mis propias decisiones dentro de su marco”.

Sánchez acredita la epopeya de 68 minutos de Metheny El camino hacia arriba (2005), en el que tocó, como una fuerte influencia en las composiciones de «narración de formato largo» para su propia Suite Meridiano (CAM Jazz, 2016)—en las notas del programa Sánchez la comparó con una “novela musical”, cuyas composiciones se desarrollaban “como un novelista desarrolla una historia y sus personajes”—y Líneas en la arena (CAM Jazz, 2018). En lugar de reflejar los detalles del vocabulario de Metheny, Sánchez toma prestado de su estética, creando fuertes melodías a partir de ideas complejas y contextualizándolas dentro de un marco narrativo épico.

Debido a la profesión de su madre, Sánchez se convirtió en cinéfilo cuando era niño. Su abuelo, ahora de 97 años, apareció en 50 películas, más de 100 producciones teatrales y varias docenas de telenovelas y series de televisión. Así que no sorprende que Sánchez imparta a los álbumes antes mencionados—y sus piezas sobre trío grande (Torbellino, 2020), una encantadora cita en colaboración con Will Vinson y Gilad Hekselman: la sensibilidad de una banda sonora imaginaria. Su pasado también da forma a la siniestra significación de Sánchez en los pasajes de hombre pájaro que representan el colapso mental del personaje Birdman de Michael Keaton, a veces sin pantalones.

“Es un tributo a Iñárritu que la voz de Antonio y el color de la batería y dónde se ubica en el paisaje sonoro de la película es algo que él quería”, dice Vince Mendoza, quien arregló y orquestó ocho piezas de Sánchez con la Orquesta WDR y el compositor. en la batería en Canales de Energía (CAM Jazz, 2018). “También es un tributo a Iñárritu que está hablando un lenguaje musical diferente dentro de su narrativa de lo que la mayoría de los cineastas alguna vez pensaron hacer. Quiero decir, ¿qué música escuchas cuando escuchas angustia, lucha, humor o enojo? Este era un lenguaje diferente para expresar esa narrativa”. Mendoza agregó que por su reciente Libertad sobre todouna larga suite para orquesta sinfónica y sección rítmica, quería a Sánchez por su habilidad “para conducir el autobús, pero con una gran poesía y un sentido del color y la emoción de una manera que realmente no esperamos que contribuya un baterista de big band. .”

“Improvisé los demos originales para hombre pájaro fuera del guión según me explicó Iñárritu antes de empezar a rodar”, dice Sánchez. “Él trajo los demos al set para ensayar. Me dijo que la batería sonaba demasiado limpia. Siempre me enorgullezco, por supuesto, de que mi batería suene genial y bien afinada, pero él quería que lo ensuciara. ‘Quiero que la batería suene como han estado almacenados durante 50 años, porque sucede en las entrañas de un viejo teatro de Broadway’, dijo. ‘¿Cómo podemos hacer que los tambores suenen de esa manera?’ Empecé a poner camisetas en los tambores y desafinarlos a propósito, apilando platillos sobre platillos para que sonaran basura, como si alguien tirara los tambores por unas escaleras. Terminó siendo una forma de tocar orgánica y fluida.

«El primero hombre malo era una continuación de ‘¿Qué puedo hacer con la batería como instrumento principal?’, pero debido a que la batería se superponía con toda la electrónica y la tecnología y las pistas de clic, tuve que ajustar las cosas. Con la evolución a CAMBIO, donde las canciones no son mías, traté de estar libre de ideas preconcebidas y límites estilísticos, y tocar lo que escucho hoy en día. Es una progresión muy interesante para mí en términos del instrumento en sí”.

Inmediatamente después de regresar a Nueva York de su estadía de septiembre a octubre con Metheny, Sánchez y Alexa se embarcarían en una larga gira con Bad Hombres y Mujeres detrás. CAMBIO, que, al momento de escribir este artículo, tiene unas 400.000 visitas de Spotify. Le pregunté si aborda esta música con una mentalidad diferente a la que aporta a Metheny’s.

“CAMBIO es completamente diferente a cualquier concierto que haya hecho”, dice Sánchez. “Por un lado, toco con una pista de clic. El sábado en Detroit toqué con Donny McCaslin; fue genial, tan abierto que podía hacer lo que quisiera. Ahora, al salir con Pat, tendré que cambiar todo de nuevo, aunque sé que saldrá naturalmente porque lo he hecho mucho con él. Un buen baterista acompañante tiene que ser capaz literalmente de cambiar de sombrero, dependiendo de la situación. Y luego, en mi propio concierto, tengo que cambiar radicalmente de sombrero cuando toco con otras personas. Siento que mi responsabilidad es seguir haciendo que las cosas sucedan, lo que a veces te hace forzar las cosas, no relajarte y dejar que la música fluya por donde debe fluir. La adrenalina es diferente, la ansiedad es diferente. Todo cambia. Ese es un desafío constante con el que lucho”.

Tanto Alexa como League, que contrataron a Bad Hombres y Mujeres para tocar en su festival GroundUp en Miami en mayo pasado, sienten que Sánchez CAMBIO sombrero es un ajuste hermoso. “Antonio ha mantenido la integridad de las canciones originales, pero las elevó con la producción”, dijo Alexa. “Luego, en la presentación en vivo, él no quiere que copiemos lo que está en el disco. A través de nosotros cuatro, hemos descubierto formas de abrir las canciones y expandirlas en el escenario en vivo. Todo el mundo está destacado. A cada uno de nosotros se nos permite traer a la mesa lo que hacemos como artistas”.

Si bien reconoce la individualidad de los protagonistas, League agrega que, a sus oídos, la banda proyecta “una sensación de anonimato que también sientes cuando escuchas una banda de rock, donde es como un muro de sonido creado por, sí, individuos, sino individuos que no están pensando en presentarse. Están comprometidos al 100% con el contenido musical dentro de las canciones. Todos en ese escenario son estrellas, pero ninguno toca como tal. Es como un equipo de ensueño en el que nadie juega a la pelota, todos pasan todo el tiempo y trabajan juntos”.

Que es precisamente la intención de Sánchez. “Al final del día, quiero que el programa sea sobre las canciones”, dijo. “Los solos deben estar al servicio de las canciones, no como un concierto de jazz donde la melodía es una excusa para explorar todas las posibilidades. No estamos tocando jazz, pero al mismo tiempo está completamente informado por el jazz. Para mí, el jazz actual no se trata realmente del sonido del jazz. es libertad Me ha dado una destreza armónica y rítmica que ahora puedo aplicar a cualquier cosa.

“Considero a ‘Bad Hombre’ como un alter ego que me permite total libertad para hacer lo que quiera, ir a donde quiera. Es doblar géneros, explorar sonoridades, explorar estilos. No estoy pensando que quiero que este disco sea esto o aquello. Simplemente sucede: el alter ego permite que las cosas fluyan. Está informado por el jazz, por el rock, por la fusión, por la música electrónica, por la música del mundo. Por supuesto, sabía que algunos puristas del jazz estarían completamente enojados. Pero por lo general eso significa que estás avanzando. Y me gusta seguir adelante”.