Aaron Diehl: antes y después

“Mi objetivo general es tratar de descubrir cómo conectar los lenguajes del jazz y la música clásica para hacer una interpretación interesante y atractiva, y también desarrollar mi propia voz”, me dijo Aaron Diehl cuando escribí por primera vez sobre él en 2010. “¿Por qué limitarse? a ti mismo para tocar algo aquí y algo allá? Es todo oro.

Que el pianista de 37 años haya refinado y expandido esa declaración de propósitos es evidente en tres álbumes recientes—como líder en el vagabundode 2020 (el tercero de Diehl para Mack Avenue), y como acompañante en los lanzamientos de 2022 expansivamente abstractos a consonantes del explorador de pan-género Tyshawn Sorey Mesmerismo (Yeros7) y La guía de sinergismo Off-Off Broadway (Pi). Como comentó Diehl en Zoom desde su departamento de Harlem antes de escuchar las 11 selecciones que componen su primer Antes y Después: “Me interesa el lenguaje del jazz como un continuo, entrelazando su evolución como un flujo de desarrollo continuo e interrelacionado para crear un sonido que no es ni viejo ni nuevo, sino simplemente un paisaje donde todos podemos comunicarnos”.

Se unió el el vagabundo del bajista Paul Sikivie y el baterista Greg Hutchinson, Diehl abre el recital con siete temas originales que refractan e interrogan materias primas recolectadas de un amplio campo de influencia: una noción de Bach a Ravel del Euro-canon, himnos de iglesia, stride, bebop, los azules. Lo termina con interpretaciones idiomáticamente apropiadas del repertorio de los modelos a seguir John Lewis y Roland Hanna y, presagiando su compromiso con Sorey, una juguetona deconstrucción de «March from Diez piezas para piano, Op. 12”, seguido de un giro meditativo a través del minimalista “Piano Etude No. 16” de Philip Glass.

Diehl ingresó al mundo musical de Glass en 2014, cuando el compositor lo invitó a participar en un concierto de la Academia de Música de Brooklyn que comprendía sus 20 estudios de piano. “Muchas veces tuve dudas sobre si mi interés por esta música era válido”, dice Diehl sobre esta incursión temprana en la expresión transidiomática. “Un mentor incluso me preguntó por qué intento tocar música clásica, por qué no estoy con los soldados del jazz. Bueno, me encanta el jazz. Pero todo lo que hago está influenciado e incorpora todos mis intereses en la música; no tiene que estar restringido a un enfoque, estilo, género o idioma específico”.

Agrega que interactuar con Sorey ha “solidificado” esta predisposición. “Tyshawn ha sido una revelación”, dice Diehl. “Hace tantas cosas diferentes en un nivel extremadamente alto: música en serie, 12 tonos. Su capacidad para la música, las cosas que entiende y sabe, es infinita. Su mente funciona de maneras únicas. Para mí, el objetivo es reproducir cualquier material escrito e impartir un sentimiento tan orgánico que suene improvisado, e improvisar música con una estructura, una forma y un sentido de dirección que suene escrito. Cuando escucho tocar a Tyshawn, cuando escucho todas sus piezas, escucho eso. Siento que los mejores músicos, ya sea Bach o Charlie Parker, lo hicieron al más alto nivel”.

Algo parecido a lo que describe Diehl sucede en Mesmerismo, una cita de trío en el estudio con Matt Brewer grabada en la primavera de 2021. «Tyshawn llamó y dijo: ‘Quiero hacer un disco de trío contigo y Matt'», recuerda Diehl. “¿Podemos ensayar un día antes de la grabación? Dije: ‘Quiero estar preparado’. Él dijo: ‘Está bien. Solo tocaremos melodías. Pasó por mi casa con Matt y comenzó a dictar arreglos de ‘Autumn Leaves’ y melodías de Paul Motian y Muhal Richard Abrams: ‘Tocaremos los primeros ocho dos veces y luego el B es medio tiempo, y luego los últimos ocho es el doble de tiempo’, y así sucesivamente. Pasé la mitad de la noche tratando de asegurarme de tener la hoja de ruta correcta para la grabación a la mañana siguiente. Pensé que Tyshawn lo hizo a propósito. Ahora me conoce lo suficientemente bien como para saber que me gusta controlar las cosas, y todo su enfoque fue: ‘No, solo vamos a escucharnos el uno al otro. Tenemos nuestra estructura, y veremos qué pasa.’

“Muchos músicos tienen intereses variados, pero la gente tiende a querer encasillarlos para que hagan una determinada cosa y eso es todo. La clave, y la parte difícil, es cómo incorporas todos tus intereses en una entidad orgánica”.

Escuche una lista de reproducción de Spotify con la mayoría de las canciones de este Antes y Después:

1. Conde Hines
«Cielo» (Earl Hines interpreta a Duke Ellington, Nuevo mundo). Hines, solo de piano; Duke Ellington, compositor. Grabado en 1975.

ANTES DE: [30 seconds in] Tengo este álbum. Eso Earl Hines interpreta a Duke Ellington. [Pulls out LP] No recuerdo cómo se llama esta melodía. Uno de los primeros solos de Earl Hines que aprendí fue la pausa en “Beau Koo Jack”, por sugerencia de Eric Reed, y también toqué “Weather Bird” con Dominic Farinacci en mi primer año de universidad. Durante esos años, escuché las grabaciones que Hines hizo en el Village Vanguard con Coleman Hawkins y Roy Eldridge durante la década de 1960: es una de las interpretaciones de piano más singulares que he escuchado, un sonido y un enfoque muy modernos, tan diferentes de la forma en que jugó en la década de 1920. Siempre me doy cuenta de cómo Earl Hines parecía dividir el tiempo entre su mano izquierda y su mano derecha. Pero fue solo una ilusión. El tiempo todavía está ahí; colocó la síncopa para que pareciera estar en otro lugar. La palabra inmediata que me viene a la mente sobre su forma de tocar es «angularidad». Es como escalar una montaña, donde encontrarás rocas con bordes ásperos y rocas con bordes más suaves. Su forma de tocar el piano es tan caleidoscópica: diferentes colores, diferentes formas de usar la síncopa, el desplazamiento del tiempo, la dinámica. Es un músico muy lírico. Como digo, es único. ¡Ahora quiero entrar en una madriguera de conejo de Earl Hines!

2. Stefano Bollani
«Rapsodia en azul» (Gershwin y más… ¡En vivo!, Filología). Bollani, piano; Roberto Gatto, batería; George Gershwin, compositor. Grabado en 2002.

ANTES DE: Obviamente, se trata de alguien que realmente conoce la pieza, por dentro y por fuera. No es sólo una abstracción de la misma. Suposición al azar: ¿Friedrich Gulda?

No, pero estás en el continente correcto.
¿Juan Taylor? Déjame seguir escuchando. Estoy pensando en Michel Camilo, aunque no es europeo. O Stefano Bollani. ¿Es Stefano? [Laughs]

DESPUÉS: Pensé que podría ser un pianista europeo familiarizado con el pianismo clásico europeo y todo el lenguaje del jazz. No pude adivinar de inmediato a Stefano porque no conozco su forma de tocar lo suficientemente bien. Lo conocí hace años a través de su dúo con Enrico Rava, y nos conocimos hace cinco o seis años cuando vino a un concierto que estaba tocando con Cécile McLorin Salvant en Luxemburgo. Entonces escuché a Stefano tocar Rapsodia en azul con Alan Gilbert y el [New York] Orquesta Filarmónica justo antes de la pandemia, y comencé a ver su trabajo. Necesito investigar y estudiar mucho más.

Me gusta el enfoque de establecer el tema y dejar claro que esto es Rapsodia en azul y luego aventurarse en otra estratosfera. Rapsodia en azul se ha convertido en esta pieza icónica, pero no creo que Gershwin lo haya considerado o lo hubiera imaginado [being] considerada una obra maestra, la escribió muy rápido cuando era muy joven. Por supuesto, los temas son increíbles y memorables, pero la estructura no está muy definida. Es una serie de motivos intercalados con cadencias. Como resultado, se puede hacer mucho entre los temas. Stefano ni siquiera entró en el tema de mi mayor allí mismo. ese primer tema [sings it] fue su trampolín para la variación y la improvisación. Hubiera sido genial ver qué haría con el tema de mi mayor si hubieran hecho la transición a él.

He tenido mis propias experiencias tocando cadencias en Rapsodia en azul con orquestas. La gente pierde la cabeza cuando es diferente. Tuve una reseña muy extraña en Providence, Rhode Island, hace algunos años sobre cómo mis cadencias arruinaron la obra maestra de Gershwin. Todo mi asunto, nuevamente, es que lo considero un punto de partida hacia donde Gershwin estaba tratando de llegar. Quizás mis cadencias no eran buenas. Puedo tomar eso. Pero no estoy de acuerdo con la idea de que porque algo está escrito en la partitura, debe tomarse al pie de la letra, que es sacrosanto, especialmente cuando se trata de tomarse libertades de improvisación con cadencias, que era una parte integral de la música europea. hasta el siglo XIX. A algunas personas les puede resultar desagradable que Stefano Bollani, que es un buen pianista, haga eso. Me gustó.

3. El colectivo Mary Lou Williams
«Geminis» (Suite Zodiac revisada, María). Geri Allen, piano; Buster Williams, bajo; Billy Hart, batería; Mary Lou Williams, compositora. Grabado en 2003.

ANTES DE: [Two bars in] Eso es «Géminis», Mary Lou Williams. Es Geri Allen jugando. Ese es el registro que ella hizo de todo el Zodíaco. Conozco muy bien ese disco. Escuchemos, porque no lo he escuchado en un rato.

DESPUÉS: Agregaré a Geri Allen a la lista de pianistas —o músicos, sin importar el instrumento— cuya forma de tocar es original por tener tal dominio de las bases del idioma. Con el idioma al alcance de su mano, hay mucho que puede hacer. Quiero decir, no hay un solo disco de Geri Allen en el que diga: «Oh, ella está tratando de ser original». Es solo ella, y es tan hermosa. Geri era la crème de la crème.

Cuando escuché este álbum de Mary Lou Williams hace años, Geri estaba trabajando con el padre Peter O’Brien, quien era el manager de Mary Lou. Escuché a este grupo tocar algo de esta música en Birdland, con Andrew Cyrille, Reggie Workman y Oliver Lake.

Esa es una entidad diferente. este álbum es Suite Zodiac revisada de 2003, con Buster Williams y Billy Hart, un tiempo antes del grupo al que haces referencia, que grabó alrededor de 2010 para Intakt.
¡Vaya! Estaba pensando: «Sé que esta es Geri, pero suena un poco diferente». No conozco este registro. Sé que Buster Williams era uno de los bajistas favoritos de Mary Lou.

«Géminis» es una pieza muy estructural en la que tienes un Tema A establecido, lo llamaremos, esas ocho notas negras. Luego hay un interludio muy breve antes de entrar en esta figura de boogie-woogie, que está abierta, básicamente un boogie-woogie en C. Es interesante escuchar a Geri tocar a este tempo; Mary Lou lo tocaría un poco más rápido. Pero me gusta el tempo que eligió Geri, realmente se adaptó a él. Luego recapitula hasta el principio, da capo, como quieras llamarlo. Luego hay una coda al final que Geri interpretó de manera más abstracta, pero la incluyó allí.

“Earl Hines parecía romper el tiempo entre su mano izquierda y su mano derecha. Pero fue solo una ilusión”.

4. John Escreet
“Equipoise” (Cambio sísmico, torbellino). Escreet, piano; Eric Revis, bajo; Damion Reid, batería; Stanley Cowell, compositor. Grabado en 2022.

ANTES DE: Casi parece un disco de batería, pero asumo que es del pianista. Quizás fue la forma en que se mezcló el disco, pero también, en general, me resulta difícil escuchar todos los matices del sonido del pianista contra el de la batería. El bajista sonaba como el músico más experimentado de ese grupo. Parecía estar sujetando las cosas. Algo en el lenguaje del pianista, algo influenciado por Brad Mehldau, pero también al estilo de Chick Corea, parece muy específico para alguien de mi edad o más joven. Definitivamente no es alguien como Gerald Clayton. Gerald no toca nada de eso. No es Pablo Held, el pianista de jazz alemán. No es Sam Harris, quien juega con Melissa Aldana. Me dejaste perplejo.

¿Reconociste la melodía? El compositor nació a principios de la década de 1940 y es de su estado natal.
¿Escribió un concierto para Art Tatum? Lo tengo en la punta de la lengua… Stanley Cowell. ¿Eso es «Equipoise»? ¡Ajá! Me encanta Stanley Cowell. Fue uno de los jueces cuando hice la competencia Essentially Ellington en Jazz at Lincoln Center en 2002. Hace unos seis años, Ethan Iverson organizó este evento con diferentes pianistas tocando «Carolina Shout»: Adam Birnbaum, Ted Rosenthal, un grupo de personas ¡y Stanley Cowell voló a todos de la pared!

Me hubiera gustado escuchar más del pianista, tener una idea de todo su enfoque.

DESPUÉS: Oh, el pianista británico. No conozco muy bien su forma de tocar. Damion Reed es un gran baterista, pero a veces, como oyente, quiero escuchar más sutileza en el lenguaje de la batería que permita a los pianistas resaltar la riqueza del instrumento.

5. Sir Roland Hanna
“Elvira MadiganConcierto núm. 21 en do mayor K.467” (Apres un Reve, Venus). Hanna, piano; Ron Carter, bajo; Grady Tate, batería; Wolfgang Amadeus Mozart, compositor. Grabado en 2002.

ANTES DE: Mozart. [Immediately] Ese es Roland Hanna con Grady Tate y Ron Carter.

DESPUÉS: Ese es un gran álbum. Roland Hanna fue increíblemente lírico, maravilloso sonido, calidad de tono, sabía cómo cavar y entrar en el ritmo, sabía cómo realmente permitir que el piano cantara. La melodía de Mozart es muy fuerte y tú amplías ese tema tan fuerte. No hay mucho que agregarle, excepto su propio sonido y enfoque. Con músicos como Hanna, Ron Carter y Grady Tate, las posibilidades son infinitas. Siempre hay que hacerlo con gusto. Es una clase magistral en ese tipo de interpretación.

¿Crees que Mozart podría haber imaginado un solo de bajo como el de Ron Carter en esto?
Es fascinante pensar en Mozart o en cualquiera que haya vivido hace más de 200 años siendo trasplantado de alguna manera a este período de tiempo, y escuchando la música que estamos tocando y cómo la estamos tocando. Cada quien tiene su idea de como sonaba, pero nadie sabe como sonaba La gente dice: «Bach tiene que hacerse así, y esta es la práctica de interpretación». Estoy bastante convencido de que no es nada como pensamos que es. Ciertos elementos probablemente están ahí. Pero si Bach realmente pudiera tocar su propio idioma en 2022, creo que la gente se sorprendería de su flexibilidad, y también del hecho de que era un improvisador ridículo.

6. Marco Roberts
“Fascinación” (Solo con tres gigantes, RCA). Roberts, piano solo; James P. Johnson, compositor. Grabado en 1990.

ANTES DE: ¿Marcus Roberts? Sólo quería estar seguro. Una cosa que hizo, pensé: «Sí, ese es Marcus».

DESPUÉS: ¿Es de James P. Johnson? No sé el título. «Fascinación»? Realmente no conozco esa melodía.

He estado hablando con bastante regularidad con Marcus durante más de 20 años. Al principio fue una gran influencia, a través de sus grabaciones con Wynton, pero también sus grabaciones en solitario. Es esto Solo con tres gigantes? ese registro y En lo profundo del cobertizo, que es un gran disco, muy infravalorado. También su interpretación con orquestas. Hay un gran material de Marcus interpretando a Gershwin con la Filarmónica de Berlín y Seiji Ozawa, que probablemente puedas encontrar en YouTube. Fue un pionero en eso en muchos aspectos. Siempre usé a Marcus como modelo para incorporar el vasto mundo del pianismo en esta forma de arte musical afroestadounidense bastante nueva, y para asegurarme de no perder nunca las raíces de lo que es. La idea de tocar blues; tocando música sincopada. Una vez más, se trata de tener ese toque terrenal, incluso cuando tienes los momentos más «refinados y refinados». Al escuchar esto, pensé un poco en Earl Hines, a quien ha escuchado mucho. No sé si Marcus obtuvo esto directamente de Earl Hines, pero rompía el ritmo o tocaba superposiciones rítmicas con su mano izquierda unas cuantas veces y luego regresaba. Recuerdo haber intentado imitarlo cuando tenía 18 años. Su sonido es tan nítido y prístino. Incluso cuando está tocando un blues, tiene control total sobre la calidad del tono. Es muy importante tener un buen sonido. Un tono rico. El tono puede venir en todas las formas diferentes. No tiene que ser sacarina. Tiene que tener una intención. No es solo accidental, que pones las manos sobre las teclas y luego lo que sale, sale. Finamente calibrado. Le debo mucho a Marcus. Me ha ayudado mucho a lo largo de los años.